Стили анимации. Исследовательская работа "стили анимации"

Анимация - (от лат. - вдохновение, оживление). В компьютерной анимации оживление является иллюзией, так как объект (созданный рисунок, модель) на экране на самом деле неподвижный. Мы выделили несколько причин, по которым анимация в вашем видео станет лучшим решением.

1. Точно в цель

Сфера применения компьютерной анимации достаточная широкая. Анимация встречается как в мультипликации, так и кинокартинах, компьютерных играх и видеорекламе. Такое видео притягивает внимание зрителя за счет яркого, реалистичного изображения и подачи информации любой сложности в непринужденной, легкой, игровой форме.

Каждый в детстве любил мультики, а компьютерная анимация - еще одно приятное напоминание об этом, она вызывает положительные эмоции и интерес к происходящему на экране.

Вы знакомы с "четвертой стеной" французского драматурга Дени Дидро и Мольера? Термин появился еще в XVIII веке. Так называли воображаемую стену, которая появляется между зрителем и актерами на сцене "трехстенного" театра и разделяет реальный мир с тем, в котором живут актеры в рамках сюжета пьесы. Следующим шагом стали попытки разрушить "четвертую стену", чтобы стереть границы реального и игрового мира и усилить эффект присутствия зрителя в театральной постановке или кинофильме. Последнее стало особенно популярно с развитием 3D-технологий. Вспомните только летящие в вас предметы с экрана в кинотеатре, которые создают реалистичный эффект и вызывают эмоции. Разрушить "четвертую стену" и стать ближе к зрителю в анимации можно за счет того, как анимационный/мультипликационный герой показывает зрителю, что он реален. Такой прием используется в конце мультфильма или анимационного видео, когда герой неожиданно обращается к зрителю или не дает экрану погаснуть, создавая иллюзию выхода за его пределы. Этот эффект не так часто используется, но всегда вызывает большой интерес. Ведь это первостепенная цель рекламодателя - удержать внимание зрителя и оригинально рассказать о продукте или услуге.

2. Motion Design

Технология motion design (моушн-дизайн) - это сочетание графического дизайна с 2D и 3D-анимацией, которая раскрывает основную идею рекламного или продуктового видеоролика и направляет все внимание зрителя на контент. Дизайн и анимация вписываются в основную концепцию видео, придавая большому объему информации определенную форму. Таким образом информация легко воспринимается, а картинка держит внимание от начала до конца видеоролика. В 60-е годы с появлением компании Motion Graphics Inc. началось развитие моушн-дизайна. Тогда основатель компании, дизайнер и аниматор Джон Уитни создавал анимационную графику для телевидения и кино.

Видео, которые мы создаем с помощью моушн-дизайна можно разделить на три категории:

• Комбинированный ролик (анимация + отснятое видео)

Приведем пример самого часто используемого вида двумерной графики из нашего портфолио - шейповой графики, и самого редкого, но не менее интересного вида - squigglevision графика.

Шейповая двумерная графика (от англ. shape - фигура, форма) состоит из плоских геометрических фигур. Простые анимационные объекты не перегружают картинку и восприятие зрителя, не рассеивают внимание на лишние детали. Весь акцент в шейповых видео делается на основной информации, которая характеризуется структурностью и простотой. Персонажи шейповой графики - частые герои корпоративных видео (инструкции, презентации, игровые сцены), развлекательных роликов и видео, представляющих бизнес-услуги или рекламный продукт.

Squigglevision - способ анимации, который изобрел Том Снайдер. В сравнении с рисованной мультипликацией, такая техника проще с точки зрения производства, что существенно экономит время, так как непрерывное движение контуров уменьшает потребность в более сложной анимации для придания сцене ощущения динамичности. Squigglevision анимацию вы можете встретить в нашем видео "Starwire. Мультфильм о розетках".

3D-графика - изображение объектов в объеме. Преимущество 3D для рекламного или продуктового видеоролика в том, что при работе с данной технологией можно создать любое пространство: реальное и вымышленное, но обязательно привлекательное для зрителя или потенциального покупателя. В таком видео с объектами или героями можно делать то, что нельзя во время съемочного процесса: оживить рекламируемый товар (наделить его мимикой и речью) или заставить объект трансформироваться, чтобы увидеть все его возможности. 3D-графика также используется в дизайне: создание заставок для мероприятия, необычная подача логотипа компании и т.д.

Комбинированная графика используется, когда 2D- или 3D- графику необходимо совместить с реально отснятым видеорядом. Так компьютерная графика или анимация взаимодействуют с отснятыми объектами в кадре или сопровождают их, визуализируя информацию с помощью инфографики. Ярким примером можно считать Doodle анимацию. Эта техника рисования в кадре от руки, демонстрация процесса создания персонажей, предметов и действий. В нашем видео для Сбербанка "Жизнь клиента банка через 5 лет " мы использовали Doodle анимацию.

3. Шаг за шагом (сценарий и раскадровка)

Хороший и грамотный сценарий - гарантия того, что ваше видео досмотрят до конца. Написание сценария - первый шаг к достижению коммерческой цели или реализации концепта с помощью анимационного видеоролика. Оригинальная концепция, которая ляжет в основу видео, повышает эффективность видеопродукта. Товар станет более желанным для потенциального покупателя (рекламное видео), условия предлагаемой услуги более привлекательными (продуктовое видео), а имидж компании - позитивным (корпоративное видео).

Итак, креативные концепции готовы, сценарий написан. Следующий шаг за раскадровками к видеоролику. Раскадровка - последовательность картинок будущего видео, которая пошагово отражает содержание каждого кадра и сцены.

Если как таковой раскадровкой принято считать набросок от руки, то при производстве анимационного видео чаще используется понятие "Storyboard" (сториборд, компьютерная раскадровка, анимационный сценарий) и steelshot (стилшот, это один кадр из сториборда).

Сториборд анимационного видео может быть полезен в следующих случаях:

• для утверждения с клиентом сцен будущего анимационного видеоролика;
• для визуализации проекта с профессиональной точки зрения, чтобы избежать ошибок в производстве;
• для удобства использования в дальнейшем данного сюжета и анимационных образов (в многосерийных видеороликах). Клиент может не менять анимационных героев, так как зритель/покупатель уже привык к образам, и это создает большее доверие.

Анимация в сочетании с инфографикой поможет грамотно расставить смысловые акценты, создать нужную атмосферу и передать большое количество информации (описание процесса, технологии, преимуществ, раскрытие проблемы и идеи). Каждый вид анимации способен привнести свои оригинальные особенности в ваше видео. А пока вы думаете, какая анимация вам ближе, ознакомьтесь с нашими 2D и 3D работами.

Анимация - самая распространенная технология, наиболее знаменитая разновидность которой - процесс, когда изображенная фигурка рисуется множество раз с незначительными изменениями, представляющими собой ее движение. Готовые изображения снимаются - 1 кадр равен 1 изображению - и транслируются с быстротой 24 кадра в секунду.

Кукольная анимация отличается от рисованной тем, что вместо рисунков используются куклы, которые снимаются по кадру с малейшими трансформациями.

Силуэтная анимация появилась позже. По этой технологии персонажи выполняются из плотного материала, после чего размещаются на пленке.

Коллажная анимация использует изображения из периодических изданий и другие готовые картинки.

Предметная анимация превращает неодушевленные вещи в персонифицированные, причем часто применяют бытовые вещи - часы, подсвечники и т.д., и изображения или фотографии.

Компьютерная анимация требует только изображения главных поз, после чего остальные можно сделать автоматически.

Электронная анимация позволяет выполнить мультипликационную ленту полностью. Но этот процесс является трудоемким и длительным.

Пластилиновая анимация . Фильмы делаются путем покадровой съемки пластилиновых объектов с модификацией в промежутках между кадрами.

Техника порошка (сыпучая/песочная анимация) используется достаточно редко. На подсвеченном стекле художник рисует картины порошком. Более плотно насыпанный слой дает темные «мазки», а тонкий - почти прозрачные. В этой технике чаще всего используют специальным образом просеянный подкрашенный песок, соль, угольный, металлический и графитовый порошки, кофе, специи.

Бескамерная анимация . Мультик «рисуют» прямо на пленке с помощью специального станка. Он состоит из прижимной рамки с зубчатым механизмом, который обеспечивает точное положение кадра, и особой оптической системы, отражающей последний нарисованный кадр на следующий, пока еще чистый кадр пленки.

Масляная живопись по стеклу . Получается что-то вроде картины, переложенной на пленку, по силе воздействия, присутствию воздуха и света сравнимой с полотнами импрессионистов. Каждый кадр уникален: будучи заснятым на кинопленку, он тут же стирается и на его месте возникает другой. Причем рисует художник на стекле не только кистью, но и пальцами. Самый во всех смыслах живописный пример мультфильма, выполненного в этой технике - «Старик и море» (1999 год) режиссера Александра Петрова. Этот фильм стал первым в истории кино мультфильмом для кинотеатров большого формата IMAX, а в 2000 году был удостоен премии Американской киноакадемии .

Игольчатый экран представляет собой вертикальную плоскость, через которую проходят равномерно распределенные длинные тонкие иглы. Иглы могут перемещаться перпендикулярно плоскости экрана. Число игл может быть от нескольких десятков тысяч до миллиона. Иглы, обращенные острием к объективу, не видны, но неравномерно выдвинутые иглы отбрасывают тени разной длины. Если выдвинуть их, картинка темнеет, если втянуть, светлеет. Полностью втянутые иглы дают белый лист без теней. Перемещая источник света и двигая иглы, можно получить интересные картины.

Ротоскопирование (метод «Эклер»). Техника была изобретена еще в 1914 году, но пользуется популярностью и теперь. Мультфильм создается путем обрисовки кадр за кадром натурного фильма (с реальными актерами и декорациями). Первоначально заранее снятый фильм проецировался на кальку и вручную обрисовывался художником, сейчас для этих целей активно используется компьютер. Эта техника применяется и тогда, когда от полностью рисованного персонажа требуется очень реалистичное, точное и живое взаимодействовие с реальными актерами и предметами обстановки. В этом случае цифрового персонажа сначала играет реальный человек, а потом его целиком, «бесшовно» заменяют анимированным персонажем (мультяшные герои в фильме «Кто подставил кролика Роджера»). Уолт Дисней и его художники успешно использовали ротоскопирование в таких мультфильмах, как «Белоснежка и семь гномов» (1937 год) и «Золушка» (1950 год). Отечественные мультики, снятые с помощью этой техники, - «Вечера на хуторе близ Диканьки», «Сказка о рыбаке и рыбке», «Сказка о мертвой царевне и семи богатырях», «Каштанка», «Аленький цветочек», «Золотая антилопа». Компьютерное ротоскопирование еще называют пикселизацией. Один из самых ярких примеров такого фильма-мультика - «Беовульф», где Рей Уинстон, Энтони Хопкинс, Робин Райт Пенн, Анджелина Джоли и Джон Малкович предстали в виде симпатичных и очень реалистичных мультяшек.

Мищенко Наталья, ученица 10 класса МОУ СОШ № 32 г. Рыбинск

Результаты опроса десятиклассников показали, что среди учащихся есть увлекающиеся аниме. Также есть достаточно много слышавших о данном направлении в анимации и желающих узнать о ней больше.

Скачать:

Предварительный просмотр:

XIX городская открытая научная конференция школьников,

Посвящённая памяти академика А.А. Ухтомского

«Стили анимации»

Выполнила

Мищенко Наталья Игоревна,

ученица 10 класса

МОУ СОШ № 32

имени академика А.А. Ухтомского

Научный руководитель

Щербак Эллина Юрьевна

Рыбинск

2012 г.

Введение. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 3

1. Происхождение анимационных техник и их развитие. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .4

1.1. История японской анимации. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 4

1.2. История студии Уолта Диснея. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .5

2. Сравнительная характеристика. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .6

2.1. Рисунок. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .6

2.2. Анимация. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .7

2.2.1. Сходства. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .7

2.2.2. Различия. . . . . . . . . . . .. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .9

2.3. Сюжет. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .10

3 «Kingdom Hearts» – игра, соединившая столь разные техники. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .11

Заключение. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .12

Литература. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 13

Приложения. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .14

Введение

Актуальность данной проблемы обусловлена особенностями современной молодежной культуры. В последние годы японская анимация приобрела большое распространение на территории нашей страны. На больших экранах во многих городах России были показаны лучшие полнометражные произведения японской анимации – «Унесенные призраками» Хаяо Миядзаки, «Волчица и пряности» Такэо Такахаси, «Девочка, покорившая время» Мамору Хосоды, «Исчезновение Харухи Судзумии» Ясухиро Такэмото. Был даже снят один российский мультфильм с концепцией и графикой японской анимации – «Первый отряд». Для его создания были привлечены известные японские аниматоры, которые работали над мультфильмом совместно с российскими. Но данное направление в мультипликации получило довольно неоднозначную оценку, тогда как мультфильмы У. Диснея нравятся всем людям без исключения.

История аниме берет начало в XX веке, когда японские кинорежиссёры начинают первые эксперименты с техниками мультипликации, изобретёнными на Западе. Это говорит о том, что оба стиля анимации имеют общие истоки, одинаковые начальные наработки. Но в процессе развития они пошли по разным путям, чем и обусловлено так заметное в данное время их различие.

Результаты опроса 28 учащихся 10 класса показали, что среди учащихся есть увлекающиеся аниме (приложение 1). Также есть достаточно много слышавших о данном направлении в анимации и желающих узнать о ней больше.

Цель: выявление сходства и различия между анимацией студии Уолта Диснея и японской анимацией.

Задачи:

1. Проследить историю появления анимации Уолта Диснея и японской анимации.
2. Проанализировать сходства и различия в техниках анимаций.
3. Рассмотреть современную совместную работу студий.

Практическая значимость . Данная работа может быть использована на уроках по искусству, изобразительному искусству, во внеклассной работе.

1. Происхождение анимационных техник и их развитие

1.1. История аниме

Аниме, как самостоятельное направление в мультипликации возникло в 1958 г. и было официально признано как искусство в конце XX-го века. История аниме корнями уходит к началу XX столетия, когда японцы стали проявлять заметный интерес к иностранным техникам создания анимационных фильмов.

Несмотря на то, что эксперименты с анимацией проводились в Японии и до этого, первым заметным творением, относимым к аниме, стал показ «Истории о белой змее», мультфильма студии «Toei». Первый аниме-сериал выпустила студия «Otogi», представляющий собой чёрно-белые исторические мультфильмы. В 1963 г. Осаму Тэдзука, прозванный «Богом манги», основал студию «Mushi Productions» и выпустил свой первый аниме-сериал «Могучий Атом». Это стало началом бума аниме.

В течение 1970-x гг. аниме активно изменялось, разрывая связи со своими иностранными прародителями и рождая новые жанры, такие, как меха. Появлялись такие произведения, как «Люпин III» или «Мэйзингер Z». Многие известные режиссёры, в частности Хаяо Миядзаки и Мамору Осии, начинали свою карьеру в эти годы.

К 1980 г. аниме и манга (комиксы, зачастую дающие начало японским мультфильмам) широко распространились в Японии, и переживали свой так называемый «Золотой век». Были выпущены первые сериалы из цикла «Гандам», начала свой путь к вершине Румико Такахаси – создательница таких аниме как «Инуяша» и «Ранма 1\2». В 1988 г. полнометражный фильм «Акира» установил рекорд бюджета аниме-фильма и создал совершенно новый стиль анимации – более детальная проработка рисунка и так называемый прием «24 кадров в секунду». Это позволило сделать сюжет более динамичным, движения персонажей более плавными и реалистичными.

1990-е и 2000-е годы стали временем широкого признания аниме за пределами Японии. «Акира» и вышедший в 1995 г. «Призрак в доспехах», впервые объединивший традиционную анимацию и компьютерную графику, получили известность по всему миру. В 1997 г. полнометражный аниме-фильм «Принцесса Мононоке» собрал 160 миллионов американских долларов в Японии.

В разы возросло число как поклонников аниме, так и зрителей, смотрящих его от случая к случаю. В то же время в Японии продолжали совершенствоваться технологии создания и отрисовки аниме: студии переходили на компьютерную графику, активно применяя трёхмерную анимацию. Из детских мультипликационных фильмов начала XX века японская анимация превратилась в культуру, творящую разнообразные, серьёзные и забавные, эмоциональные и наивные, предназначенные для подростков, детей и взрослых произведения.

1.2. История студии Уолта Диснея

В 1920-1921 годах У. Дисней по заказу снял 12 коротеньких лент – «Смехограмм Ньюмена». Это единственные мультфильмы, сделанные полностью им, от начала и до конца (как художника, аниматора и автора). Эти сценки из канзасской жизни особого успеха не имели, но позволили (материально) автору начать осуществление его собственной идеи – серии экранизации сказок.

Экранные сказки У. Диснея не являлись иллюстрациями к любимым всеми книжкам, они представляли собой авторские анимационные интерпретации этих произведений. Так появились «Красная Шапочка», «Бременские музыканты», «Джек и бобовый стебель». Но эти творения публика так и не увидела, так как прокатчики их не признали. У. Дисней выпустил еще 9 лент, среди которых были: «Златовласка», «Кот в сапогах», «Золушка» и другие сказки. Его энтузиазм привел к разорению предприятия.

Следующим сериальным проектом У. Диснея стал «Освальд – счастливый кролик». Его изобразительное решение явилось логическим продолжением кота Юлиуса. «О-образный» стиль внешности персонажа был ежегодной «жертвой» кота Феликса, но автор в разработке самих сюжетов и гэгов проявил блестящее мастерство аниматора. Сюжет разрабатывался в литературной форме, затем весь скрипт переводился в раскадровку по эпизодам. Здесь же великий аниматор ввел и альбомы образцов. В них представлены не только все персонажи серии, но и типичные для них схемы движения (по ротоскопу).

В технической стороне У. Дисней тоже пошел на невиданные «жертвы» - нововведения. В технологию создания мультипликата он вводит понятия черновика, так называемый «черновой мультипликат». Именно поэтому многие творения диснеевской студии выглядят на экране такими безупречными, выверенными до мелочей.

Герой, созданный на студии У. Диснея вслед за Освальдом, станет ее символом на все последующие годы. Речь идет, разумеется, о Микки-Маусе. Хотя сначала мышонок получил имя Мортимер, вскоре от него пришлось отказаться. Внешний облик был разработан аниматором Юбом Айверксом, а характер, внутреннюю сущность вдохнул в нарисованного грызуна сам У. Дисней (озвучивал Микки поначалу тоже он). Первоначальный образ Микки больше напоминал настоящую мышь, чем всем известный облик «маленького мага». Но главный стиль есть главный стиль – он диктовал условия, и вскоре Мауса округлили до известного всему миру образа.

2. Сравнительная характеристика анимаций

Между любителями анимации уже давно идут жаркие споры о том, что же лучше – аниме мультфильмы или диснеевские. Сравнительную характеристику попытаемся провести по трем основным параметрам: рисунок, анимация и сюжет.

2.1. Рисунок

Самое интересное в вопросе о рисунке состоит в том, что любители Диснея обычно критикуют тот единственный элемент, который объединяет два разных стиля. Это большие глаза.

Ведь и в самом деле, глаза у западных мультяшек ничуть не меньше (если не больше), чем у японских. Да и как же быть иначе, если аниме позаимствовало эти большие глаза именно у диснеевских мультипликаторов, так как Осаму Тедзука в свое время проходил курсы повышения квалификации в Диснее.

В чем же причина нормального отношения к большим глазам в одном случае и неприятие их в другом? Все дело в том, что западные аниматоры пошли по пути карикатурного рисования, а японские – реалистичного. И то, что на заведомо карикатурно деформированном персонаже смотрится вполне естественно, на лице человека выглядит немного ненатурально.

Кроме того, глаза японских персонажей выделяются гораздо сильней, чем у западных, и за счет большого количества бликов, и за счет цвета, и за счет более детальной прорисовки, что заставляет обратить на них более пристальное внимание. Кому-то это нравится, кому-то нет. Но в любом случае, большие глаза всегда придают персонажу более милый и доброжелательный вид, чем маленькие.

Так чем же различаются западный и японский стили рисования? Главных отличий два:

1. Карикатурность западных персонажей и реалистичность японских. Персонажи аниме, конечно, тоже достаточно сильно деформируются для создания того или иного эффекта, но карикатурности в них нет.

2. Основная форма, заложенная в диснеевских героях – шар или яйцо. Все линии мягкие и округлы, острых углов почти нет даже у самых злобных злодеев. В основе же внешности японских героев лежит клин. Подбородок, нос, плечи, форма тела, постоянно развевающиеся волосы, и огромное количество складок – все острое, торчащее, «колющее» взгляд. Даже глаза, и те имеют форму шестиугольника с клинообразными ресницами.

Кроме различий в рисовании самих персонажей часто в спорах упоминается отличия в рисовании задних планов. Причем обвинения звучат с обеих сторон, каждый так и норовит обвинить противника в плохой прорисовке фона. Но неудачные задние планы есть как в одной, так и в другой анимации, поэтому различать их по этому показателю неправильно.

2.2. Анимация

Анимация на западе сделана значительно лучше японской. Даже сейчас, когда во всю используются компьютерные технологии, движения в диснеевских мультфильмах сорокалетней давности выглядят более приятно и плавно, чем сейчас у японских аниматоров. Аниме, во многом, остается просто комиксом, в который добавили немного динамики для связи различных кадров. Единственным исключением из этого правила является, пожалуй, только Хаяо Миядзаки. В аниме много статичных картинок, которые просто меняют свое положение в пространстве, у Диснея же, почти каждый кадр живет и дышит. Во многом, такое восприятие обуславливается опять-таки карикатурностью мультяшек. Их движения можно гипертрофировать как угодно для создания большего эффекта жизни. К людям же из аниме такой механизм не применим. Зато развевающиеся волосы и плащи - вот в чем японцы достигли настоящего совершенства.

2.2.1. Сходства

«Медленный вход» и «медленный выход». Разрабатывая выразительные позы художник вкладывает все свое мастерство, поэтому именно эти моменты должны быть дольше видны зрителю. Для этого ассистенты дорисовывают движения так, что больше всего кадров оказывается рядом с ключевыми позами. При этом персонаж как бы проскальзывает движение от одной компоновки к другой, медленно выходя из позы и замедляясь у другой. Японские аниматоры хорошо усвоили данный принцип. В некоторых местах они не только используют его, но и значительно усиливают его действие для придания еще большей инерции персонажу.

Движения по дугам . Этот принцип является вторым революционным открытием Диснея. Живые организмы всегда передвигаются по дугообразным траекториям. В основном характер траектории зависит от скорости движения. Этот принцип объединяет обе техники. Именно благодаря ему движения персонажей, насколько карикатурными бы они не были, выглядят плавно и естественно.

Сквозное движение и захлест. Суть принципа состоит в том, что движение никогда не должно прекращаться. Существуют такие элементы как уши, хвосты, одежда, которые постоянно должны находиться в движении. Движение отдельных элементов тела в то время как тело уже не двигается называется захлестом. В анимации У. Диснея захлест и сквозное движение используются значительно умереннее чем в аниме, однако этот принцип также получил распространение.

Ни в одной анимации мира сквозное движение не развито так как в аниме. Волосы персонажей почти всегда развеваются по ветру. Плащи волшебников и рыцарей могут развеваться даже в закрытых помещениях. Японцы уделяют очень много внимания сквозному движению и захлесту, это придает еще более живой вид персонажам.

Второстепенные действия. Часто для придания персонажу большей выразительности используют вторичные движения. Например, горюющий персонаж может часто сморкаться в платок, а удивленный подергивать плечами. В аниме такой прием называется «фансервис» - изображение предметов или специфических движений, не влияющих на сюжет, но способных дополнить психологический портрет героя (иногда не несет такого подтекста и служит для заполнения экранного времени)

Расчет времени. При расчете времени учитываются вес, инертность, объем и эмоциональное состояние героя. Настроение также передается скоростью движений персонажа. Так подавленный персонаж движется очень вяло, а воодушевленный достаточно энергично. Расчет времени имеет место в обеих системах анимации.

Профессиональный рисунок. Рисунок – основа всего. На студии Диснея довольно часто встречаются таблички вроде: «Чувствуется ли в твоем рисунке вес, глубина и равновесие?». Аниме и профессиональный рисунок – также понятия неразделимые. В Японии дизайном персонажей (kara-settei) занимаются отдельные люди. Многие художники сделали на этом свое имя.

Привлекательность. Привлекательность персонажа – путь к успеху всего фильма. Привлекательность имеется в обеих системах анимации. Привлекательность персонажей складывается из нескольких факторов:

Большие глаза придают герою юный и доброжелательный вид.

Большая голова – делает героев похожими на детей. Даже самый страшный монстр может стать безобиднее мышонка, если ему немного изменить пропорции тела.

У взрослых персонажей часто очень длинные ноги (чуть больше туловища с головой), за счет чего они выглядят более стройно.

Преувеличение. Уолт Дисней всегда требовал от своих работников большего реализма, на самом деле стремясь больше к «карикатурному реализму». Если персонаж должен был быть печальным, он требовал, чтобы его делали мрачным, счастливого же нужно было делать ослепительно сияющим. В аниме также работает этот принцип.

2.2.2.Различия

Сжатие и растяжение. Это, пожалуй, одно из самых значительных открытий Диснея за всю историю анимации. Этот принцип произвел революцию в мире анимации. Благодаря сжатию и растяжению персонажи уже не выглядели «каменными». Суть принципа состоит в том, что живое тело всегда сжимается и растягивается во время движения.

В аниме же сжатие и растяжение почти не используется. В то время как Дисней пошел по пути карикатур, аниме художники пошли по пути реализма, поэтому тела людей и животных становятся не безразмерными, а вполне реалистичными. Сжатие и растяжение может использоваться больше только в аниме для детей или нарисованных в чиби-стиле (карикатурный стиль рисовки)

Упреждение (или отказное движение). В реальной жизни для произведения какого-либо действия, человеку часто приходится делать подготовительные движения. Любой принцип Диснея является преувеличением, поэтому очень часто его герои, прежде чем побежать, осуществляют своеобразный замах ногой, что смотрится слишком смешно.

Аниме фильмы – это больше театр нежели карикатура. Так же на этот принцип откладывают отпечаток и всевозможные восточные единоборства. Бойцы обычно двигаются почти безинерционно, и ударам очень редко предшествует замах, позволяющий увидеть и блокировать его.

Сценичность. Для правильного восприятия персонажа зрителями все его движения, позы и выражения лица должны быть предельно просты и выразительны. Этот принцип основан на главном правиле театра. Камера должна быть расположена так, чтобы зритель видел все движения персонажа, а одежда не должна скрывать его движения.

Во время прохождения курсов повышения квалификации в Диснее Осаму Тедзука («бог японской анимации») не только изучал принципы Диснеевской анимации, но и сумел подойти к ним несколько с другой стороны. В аниме все внимание сосредотачивается на выражении лица и позе персонажа, что приводит к большему эмоциональному воздействию на зрителя.

2.3. Сюжет

Это одно из самых сильных мест в аниме. Сюжеты есть на любой вкус – и для взрослых и для детей, для мальчиков и девочек, про животных и гигантских роботов (приложение 2).

Как видно из данного списка, у аниме достаточно много жанров, предназначенных для людей разного возраста, преимущественно подростков.

На западе же, можно выделить только три основных сюжета: сказка для детей (чаще всего на классическом сюжете), «жертва-охотник» и супергерои. Обычно аниме рассчитано на более взрослую аудиторию, чем мультфильмы Диснея и поэтому сюжет многих затрагивает жизненные проблемы.

3. «Kingdom Hearts» - игра, соединившая столь разные техники

Как признаются авторы «Королевство сердец», идея игры появилась у них случайно. В феврале 2000-го сотрудники компании Square Enix Тецуо Номура и Синдзи Хасимото во время случайной встречи в лифте поделились с представителями Disney сумасшедшей мыслью. Отчаянные японцы предложили смешать персонажей Disney и Final Fantasy. Более года ушло на то, чтобы утрясти все формальности, и вот на выставке E3 в мае 2001-го «Королевство сердец» – игра во многом уникальная, соединившая в себе культуры Запада и Востока, – была впервые представлена публике. От компании Уолта Диснея произведение получило добрый сказочный мир и обаятельных, знакомых всем с детства героев, а от японцев – берущий за душу сюжет и умение собрать все компоненты в единое целое, работающее, словно дорогие швейцарские часы.

Вселенная игры состоит из десятков обособленных островков, каждый из которых посвящен одному из классических мультфильмов Диснея. Путешествуя между мирами, вы встречаете множество знакомых с детства персонажей вроде Аладдина или бурундуков Чипа и Дейла, хотя они частенько выступают в необычных амплуа. Те же Чип и Дейл тут подрабатывают механиками межпланетных кораблей, непутевый добряк Гуфи вдруг стал капитаном королевских гвардейцев, а Дональд Дак – придворным колдуном. По соседству с бурундуками и селезнями живут томные герои JRPG, например Клауд и Сефирот из Final Fantasy.

Казалось бы, ничто не может нарушить идиллию этих миров, но вдруг начинают происходить жуткие события. Повсюду пропадают люди и появляются странные создания, названные впоследствии Heartless (Бессердечные) и Nobodies (Никто). Это мрачные тени, возникающие после того, как человек лишается сердца: первые представляют собой физическое воплощение тьмы, которая и забирает сердца, а вторые – то, что остается от человека после «операции». Некоторые из них разумны, но большинство – нет. Для борьбы с чудищами существуют вооруженные кейблейдами мастера ключей. Кейблейд – особое оружие в виде гигантского ключа, которое нельзя украсть у его владельца и которое способно открыть и закрыть любой замок.

Данная игра получила большую популярность сразу после своего выхода во многих странах мира.

Заключение

Изучив литературу по данной теме, мы пришли к следующим выводам:

1. Оба стиля анимации отталкивались от одинаковых наработок. Современная анимация студии У. Диснея, пройдя большой промежуток времени, претерпела не сильные изменения. В её структуре лишь появились новые технологии и герои, подсказанные временем. Основные же правила остались прежними со времен великого аниматора.

Японская анимация, появившаяся как крепкое самостоятельное направление лишь в 1958 г., изменила принципы У. Диснея для создания собственного неповторимого стиля. Она развила и доработала, а иногда и полностью переработала многие принципы анимации а также создала собственный стиль рисунка.

1. Между аниме и анимацией студии У.Диснея больше сходств, чем различий. Это обусловлено тем, что они развивались на основе созданных и отработанных У.Диснеем правил анимации. Сходства проходят по основным правилам, в которых заключается создание реалистичных движений и привлекательности образов персонажей – главное, без чего любой мультфильм будет смотреться плохо и неказисто.

Основные различия же заключаются в рисунке и сюжетной направленности. Благодаря этому аниме и выглядит своеобразным и отличным от своего прототипа.

1. Итогом совместной работы аниматоров западного и восточного направления стало создание новой серии игр под названием «Королевство сердец». Она соединила столь разные на данный момент стили анимации, благодаря чему и выглядит необычно и красиво. Такого органичного соединения не произошло бы, не имей направления анимации общих «корней».

Литература

1. Аниме и Дисней muxacko. [Электронный ресурс]. – http://www.drawanime.ru/ ?pg=art&id=14
2. Гаврилов А. Анимационные сериалы США сквозь годы звука, цвета и телевидения. [Электронный ресурс]. – http://www.proficinema.ru/questions-problems/articles/detail.php? ID=53726
3. Гаврилов А. Сериальные работы Уолта Диснея: как появился Микки-Маус? [Электронный ресурс]. – http://www.proficinema.ru/questions-problems/articles/detail.php? ID=64961
4. История аниме. [Электронный ресурс]. – http://ru.wikipedia.org/wiki/
5. Комарницкий С. Kingdom Hearts: Birth by Sleep. [Электронный ресурс]. – http://www.igromania.ru/articles/118532/Kingdom_Hearts_Birth_by_Sleep.htm
6. 12 законов и принципов анимации. [Электронный ресурс]. – http://www.cgtarian.ru/poleznosti/12-zakonov-i-principov-animacii.htm

Приложение 1

Анкета для учащихся 10-х классов

Уважаемые учащиеся! Просим вас ответить на вопросы данной анкеты для определения актуальности работы по теме «Стили анимации»

Вопрос: Слышал ли ты когда-нибудь о таком стиле мультипликации как аниме?

Варианты ответа:

1. Не слышал
2. Слышал
3. Увлекаюсь

Результаты анкетирования учащихся 10-х классов

Ряд 1 – увлекаются

Ряд 2 – слышали, хотят узнать подробнее

Ряд 3 – не слышали

Приложение 2

Словарь популярных жанров японской анимации

• Сказка – жанр кодомо-аниме, экранизация классических сказок.
• Комедия – разновидность аниме, главное для которого – юмор: пародии, комедии положений, словесные и трюковые шутки.
• История – разновидность аниме, действие которого связано с теми или иными реальными историческими событиями.
• Драма – достаточно редкий для аниме жанр драматически-трагического повествования. Основной признак – отсутствие выраженного счастливого конца.
• Научная фантастика (НФ) – аниме, действие которого связано с существованием и использованием техники, не существовавшей на момент создания этого аниме (межзвездных космических кораблей, бластеров и т.д.) Обычно НФ-аниме излагает возможную историю будущего человечества, часто его сюжеты связаны с контактами с пришельцами.
• Космическая опера – разновидность НФ-аниме, концентрирующаяся на войнах, проходящих с активным использованием космических кораблей.
• Меха – сложные механизмы, как правило, самодвижущиеся, не имеющие реальных прототипов (т.е. придуманные специально для данного проекта). Обычно этим термином обозначают «гигантских роботов», огромные человекоуправляемые боевые машины. Жанр «меха» характеризуется активным использованием меха.
• Сэнтай – дословно «группа/команда», жанр аниме, рассказывающий о приключениях небольшой постоянной команды персонажей, борющихся с кем-либо или с чем-либо.
• Меха-сэнтай – то же, что и сэнтай, но команда персонажей при этом пилотирует один или несколько меха.
• Махо-сёдзё – «девочки-волшебницы», жанр сёдзё-аниме, рассказывающий о приключениях девочек, наделенных магической силой. Концентрируется на проблемах женского взросления.
• Спокон – жанр аниме, рассказывающий о юных спортсменах, добивающихся успеха путем воспитания в себе воли к победе. Объединение слов «спорт» и «кондзё» («сила воли»).
• Киберпанк – жанр аниме, рассказывающий о мире будущего, жизнь которого полностью определяют компьютерные технологии. Картины будущего при этом представляются мрачными и антиутопическими.
• Паропанк – жанр аниме, рассказывающий об альтернативных нашему мирах, находящихся на уровне технического развития, соответствующему Европе конца XIX века. Этот период характеризуется началом революции технических средств передвижения – появление дирижаблей, аэропланов, паровозов, пароходов. Техника, однако, все еще воспринимается простыми людьми не как нечто привычное и банальное, а как нечто чудесное и, зачастую, демоническое. Паропанк возник как альтернатива киберпанку. Если киберпанк обычно основывается на футуристической эстетике, то паропанк – на эстетике ретро.
• Фэнтези – аниме, рассказывающее о мирах, которыми правит не технология (как в НФ), а «меч и магия». В фэнтези часто фигурируют не только люди, но и разнообразные мифологические существа – эльфы, гномы, драконы, оборотни, люди-кошки, а также боги и демоны.
• Путешествие между мирами – разновидность аниме, в котором главный герой или герои перемещаются между параллельными мирами, обычно – между миром современной Японии и фэнтези-миром.
• Мистика – жанр аниме, действие которого связано с взаимодействием людей и различных таинственных сил. Последние не поддаются однозначному научному описанию, чем отличаются, скажем, от магии в фэнтези. Отношения с ними обычно связаны с различными моральными проблемами.
• Парапсихология – жанр аниме, действие которого связано с парапсихическими силами (телепатия, телекинез, гипноз).
• Апокалиптика – разновидность аниме, повествующее о наступлении Конца Света.
• Постапокалиптика – разновидность аниме, повествующее о жизни после глобальной катастрофы – Конца Света.
• Романтика – аниме, повествующее о любовных переживаниях.
• Мыльная опера – жанр романтического сёдзё-аниме, концентрирующийся на изложении сложных и запутанных любовных историй.
• Школьная мыльная опера – разновидность мыльной оперы, описывающая любовные истории школьников.
• Повседневность – аниме, описывающее повседневную жизнь обычных японцев (обычно - среднего класса) со всеми ее радостями и бедами.
• Социальный фильм или сериал – аниме, поднимающее животрепещущие проблемы современного общества.
• Психологический триллер – жанр аниме, повествующее о «приключениях человеческой души». Попадая в необычные ситуации, герои таких аниме переживают сложные и непредсказуемые психологические изменения.
• Боевик – жанр сёнэн-аниме, действие которого связано с боевым противостоянием.
• Самурайский боевик – жанр исторического сёнэн-аниме, действие которого связано с войнами самураев и ниндзя.

Предварительный просмотр:

Чтобы пользоваться предварительным просмотром презентаций создайте себе аккаунт (учетную запись) Google и войдите в него:

2. Кукольная. Это вторая по сложности техника, после «Игольчатого экрана». А по популярности у мультипликаторов "до компьютерного периода" на первом! Это объясняется простотой и технологичностью производства: небольшая мастерская для изготовления персонажей и макетов, помещение для съемки, немного оборудования и несколько человек. В классическом варианте: объекты, перемещающиеся в трехмерном пространстве. Прежде всего куклы на шарнирах, но и любые другие реальные предметы тоже годятся. Я думаю, разъяснения здесь излишни.
Компьютерным аналогом кукольной мультипликации является 3 D анимация.

3. Перекладка. В классическом варианте: это плоские объекты, перемещающиеся на плоскости, в двухмерном пространстве. Обычно двигают на стекле, что б можно было фон под стекло подставить. Стеклянных плоскостей может быть много - многоярусный станок, что б создавать иллюзию пространства - передний план, средний, дальний, фон. Камера стоит сверху, а аниматор двигает по кадру под камерой сложносоставные персонажи. каждая двигающаяся часть тела представляет собой отдельный объект. Например, рука состоит из: плеча, предплечья, кисти и пальцев. И все это отдельные объекты, сделанные из картона бумаги или целлулоида…. Персонажи лежат на стекле, а под стеклом находится фон. Двигать под камерой можно и любые другие материальные предметы, такие как монеты, цепочки, спички, все что подскажет фантазия мультипликатора!
В современном варианте перекладка делается, например, во Flash или After Effects…

4. Плоская марионетка. Это что-то среднее между перекладкой и кукольной мультипликацией. Это перекладка, лежащая на стекле, со стороны стекла плоская, а с противоположной объемная. Примерно, как в скульптуре «барельеф».

5. Пластилиновая. Технология достаточно известна и популярна - это может быть как вариант кукольной мультипликации, а может быть и тотальная, когда все меняется и трансформируется.
Эту технику можно сымитировать в 3 D программах.

6. Сыпучие материалы. Мультипликатор под камерой, по кадру, создает движение из песка, опилок, кофе, чая… Чего только мультипликаторы не пробовали двигать под камерой по кадру!

7. Бескамерный метод. С кинопленки смывается эмульсионный слой, а затем вручную, перышком рисуется каждый кадр. Съемочная камера для такого метода не нужна. Да и компьютер тоже. Но нужна пленка и кинопроектор на 35 мм., а это делает данную технологию малоприменимой в современных условиях. Считается, что первым попробовал этот метод канадский аниматор Мак Кларен. Делается только вручную.

8. Рисованный звук. Смежная техника с «бескамерным методом». Тут все так же как и там, только рисуется звуковая дорожка, слева от кадров, на пленке со смытым эмульсионным слоем. Требует большой усидчивости и много экспериментов со звуком.
Пример: Норманн МакЛарен « Dots » (1940)

9. Ожившая живопись. Вариант первый: художник пишет картину, например, маслом прямо под съемочной камерой и время от времени фиксирует на пленке промежуточные этапы. Зритель, как бы становится свидетелем рождения картины. Есть компьютерные программы у которых есть функция записывающая все действия художника, например Corel Painter, получается такой же фильм. Вариант второй: делается обычная по кадровая съемка, по конкретному сюжету. А под камерой движение персонажей и фона создается при помощи масляных или темперных красок, обычно, на стекле, создавая эффект ожившего полотна.Пример: "Старик и море" Александра Пертрова.

10. Рэппорелло. Весьма экзотическая техника. Это работа только с реальными объектами, не сделанными специально для фильма, а найденные в окружающей среде. Подбираются, к примеру, несколько реальных объектов, похожих по форме но разных по пластике, снимают их, а потом создают из них движение. Самый известный образец этой техники - проснувшийся лев, из «Броненосца Потемкина». Там взяты три скульптуры львов: один лежащий, другой вскинувший голову, третий вскочивший на передние лапы. В фильме, после выстрела пушки, было показано по несколько кадров каждой из скульптур, в заданной последовательности, и это дало иллюзию, что скульптура ожила. А в контексте фильма прочиталось, что выстрел разбудил льва!

11. Метод игольчатого экрана. Придуман канадским аниматором Александром Алексеевым. Он же, долгое время, был и единственным мультипликатором, который мог работать в этой технике. Изобретенная в 1931 году, эта техника стала самой сложной техникой в истории мультипликации. Вместе со своей женой Клэр Паркер он сделал столешницу с огромным количеством отверстий, в которых находились металлические стержни. Столешница освещалась косым, боковым светом. Стержень, спрятанный в отверстии столешницы, не отбрасывал тени, поэтому поверхность казалось светлой. По мере выдвижения его из отверстия, начинала расти и тень от стержня, и получалась градация от светлого к темному цвету.
Пример: «Ночь на Лысой горе», Александра Алексеева.
Недавно я узнал, что есть современные художники, работающие в этой технике! Да и аналог столешницы можно купить в магазине.

12. Эклер. Это метод псевдо мультипликации, когда снимают живого актера, потом его переносят на бумагу, придавая черты нужного персонажа, а далее все по технологии рисованной мультипликации. Роль мультипликатора заменяется актерской работой. Термин «эклер» пошел от названия камеры французской фирмы «Эклер», которую приспособили на «Союзмультфильме» для проецирования изображения кадров на бумагу. Художники говорили: «Пойду, посижу на «эклере», это означало, что он займется нудной и тоскливой работой, в специальном помещении на отшибе, находящемся в колокольне рядом с фильмохранилищем, и будет заниматься обводкой проецируемого персонажа на кальку.
Пример: "Золотая антилопа", "Каштанка".
Современным аналогом «эклера» является технология « Motion capture».

13. Пиксилляция . Аналог кукольной анимации, только вместо кукол используются реальные актеры, которых мультипликатор двигает как кукол по кадру. В кадре могут одновременно находиться и взаимодействовать живые актеры, куклы и разные предметы. Пример: «Соседи» Норманна МакЛарен а

14. Фотоизбирательная . В нем, вместо рисунков используются, как вы догадались, фотографии, сделаные специально для фильма.
Пример: "Гарпия" Рауля Сервэ.

15. Совмещенная. Это мультипликация внедренная в обычный видеоряд. Или на оборот. Пример: «Три кабальеро», «Новый Гулливер».
Сейчас без совмещенки не обходится ни один блокбастер! И то, что порой вы не видите на экране мультипликации, не значит, что её нет! В кино это называется "спецэфектами".

Вот кажется полный список основных техник в мультипликации, если что забыл - дайте знать.

Компьютерную анимацию я выношу за скобки, поскольку это всего лишь новые технологии помогающие мультипликаторам добиться более качественного результата меньшей кровью.
Это как карандаш: сначала был уголь, потом графит, далее графит одели в деревянную рубашку, за тем в метал и пластмассу с механизмом выдвижения грифеля - цанговый карандаш, ну а теперь стилус - электронный карандаш. А рисуем-то мы, по-прежнему, руками.

Компьютер имитирует, как правило, те техники, которые уже существовали раньше. А зрителю, обычно, все равно при помощи каких технологий и средств это сделано. Главное что б интересно было!

Вот, к примеру, я уже сталкивался с тем, что многие Flash трактуют как отдельную анимационную технику или даже как стилистику. Причем примитивную. Я недавно видел в одной передаче, как Гарри Бардин, вместе с ведущими, склонял Flash на все лады. Они говорили, что это не мультипликация, что она примитивна, что там нет творчества, и при этом все время вспоминали «Масяню»! Видимо они больше ничего не видели из сделанного в этой программе! По поводу отношения старых мультипликаторов к компьютерам - это отдельная тема, о ней я напишу позже.

Коллеги и просто граждане, Flash - это всего лишь программа, которая позволяет делать не только "Масяню", но и более качественную мультипликациюо. И хорошую "перекладку", и классическую «рисованную анимацию» . Она приспособлена и для фазовки, и заливки. Ну, а остальное зависит от фантазии, знаний и мастерства мультипликатора.

Процесс создания анимации шаг за шагом - вот что мы хотели рассмотреть в этой статье. Уже готовые вы можете посмотреть на сайте студии. А здесь поговорим о процессе. Прочитав этот текст, Вы сможете понять, как обычно проходит работа в этой области, кто участвует в процессе (кратко рассказывается о работе копирайтеров, сценариста, художников, аниматоров, дикторов, звукорежиссера), и получить первоначальное представление с чего можно начать процесс обучения анимации.

Работу лучше разделить на несколько основных этапов и двигаться шаг за шагом, нужна ясность в процессе работы создания анимации.

СОЗДАНИЕ МУЛЬТФИЛЬМА

Как создать мультфильм

Часто спрашивают, как создаются мультфильмы? В этой статье мы попробуем кратко но наглядно рассказать, как выглядит этот процесс. Многое зависит от того, зачем Вам нужен мультфильм.

Если Вы хотите заказать анимационный ролик для своей компании, то, конечно, нужно обращаться к профессионалам. Если мультик в подарок своим знакомым или родственникам, тут можно делать что-то попроще, но лучше тоже делать все как надо. Это дело небыстрое и требующее профессионализма всех участников процесса.

Если Вы хотите сами научиться делать мультики или как-то связать свою работу с мультфильмами, то этот текст поможет понять, как примерно все это делается и кто в этом процессе участвует.

Этапы создания

Работу лучше разделить на несколько основных этапов. Удобнее разделить работу на части и последовательно продвигаться шаг за шагом, особенно, если вы делаете мультфильм не в свое удовольствие, а для кого-то и нужна ясность в процессе работы создания анимации.

1. Написание сценария мультфильма

На этом этапе копирайтером разрабатывается общая концепция, идея мультфильма. Часто люди уже имеют какое-то представление, что им хочется видеть в мультфильме. Иногда даже бывает, что сценарий уже полностью разработан.

Если этого нет, то составляется бриф (что-то вроде опросника), в котором перечислены основные вопросы, на которые предлагается ответить. Обычно, это вопросы о целях, которые преследуется, о целевой группе, на которую ориентируются в создании мультфильма, о продолжительности мультфильма, предпочтениях в стилистике, озвучке и т.п.

После заполнения такого брифа ситуация сильно проясняется и можно переходить к созданию сценария мультфильма. Имея заполненный бриф сценарист предлагает, обычно, несколько разных идей сценария на выбор. Выбранный вариант дорабатывается в полноценный сценарий.

После утверждения сценария можно начинать разработку персонажей.

2. Разработка персонажей

К разработке персонажей, обычно, приступают, когда уже известны основные задачи мультфильма, целевая группа и предпочтения по стилистике. По сценарию художник иллюстратор или, так называемый, концепт артист разрабатывает образ каждого из героев мультфильма. Иногда отдельным этапом еще до прорисовки персонажей разрабатывается описание характера каждого из персонажей - такой портрет каждого из героев в текстовой форме. Делается это для того, чтобы художник при разработке визуального образа уже четко представлял себе характер персонажа.

Сначала, как правило, художник делает какие-то черновые скетчи, простые зарисовки карандашом или на планшете. На этом этапе не важен ни цвет, ни четкость прорисовки. Главное сначала найти подходящий образ. Создается 1-3 разных вариантов образа персонажа. Если ничего не понравилось, то можно сделать дополнительные варианты.

После утверждения наброска следующим этапом идет уже его чистовая доработка и окончательная прорисовка в цвете и векторе (в случае если это флеш мультфильм).

Так происходит с каждым из персонажей. Когда все персонажи разработаны и утверждены, можно смело приступать к раскадровке.

3. Раскадровка

Нужно заметить, что раскадровка, вообще, является необязательным этапом. Раскадровка помогает понять еще до начала создания анимации, как примерно будет выглядеть мультфильм. Поэтому если есть какие-то особенные пожелания или опасения на этот счет, то раскадровка для мультфильма может быть полезна.

Суть раскадровки проста - это отрисовка основных сцен мультфильма в статике. Из раскадровки можно понять как будут выглядеть сцены в мультфильме, их последовательность, продолжительность (если раскадровка с таймкодом), расположение основных предметов на фоне и, также, расположение персонажей относительно фона.

пример раскадровки для мультфильма

Раскадровка может быть черно-белой в виде скетча карандашом, может быть и цветной в растре или в векторе. Детализация и прорисовка тоже может быть разной - всё зависит от сложности мультфильма и задач.

Обычно, раскадровки достаточно для понимания, как будет все выглядеть в мультфильме. После того, как раскадровка готова, чаще всего, можно приступать к созданию анимации. Но в некоторых случаях (когда нужна 100% уверенность, что все будет в мультфильме именно так, как хотелось бы) требуется еще один промежуточный этап - аниматик.

4. Аниматик

Аниматик - это анимированная раскадровка. Это уже не статичные картинки, но еще и не мультфильм - нечто среднее между ними. Аниматик, обычно, создается четко по раскадровке и по времени мультфильма (если мультфильм на 30 секунд, то и аниматик делается ровно на 30 секунд, чтобы можно было понять продолжительность каждой сцены, прежде, чем ее сменит следующая).

Пример создания аниматика

Наиболее важные моменты могут быть уже анимированы в аниматике (полностью или условно). Что-то может быть схематически показано стрелками, вставлены какие-то дополнительные поясняющие кадры, что-то подписано текстом и т.д. Аниматик не обязан быть чистовым. Его функция - сделать более понятным материал из раскадровки.

5. Создание мультфильма

Аниматик готов и утвержден. Теперь можно заниматься созданием мультика. Все необходимое для этого у аниматора уже есть. Параллельно с анимацией художник-фоновщик может заниматься фонами. Также, для полноценного мультфильма, обычно, требуется озвучивание анимации.

Озвучивание может быть разного уровня сложности и состоять из следующих составляющих: дикторская начитка или работа актеров, озвучивание событий в мультфильме, наложение музыки, написание стихов, песни, оригинальной музыки, сведение всего материала.

Но вернемся к анимации. У каждого аниматора есть своя схема работы, которая ему нравится больше, и к которой он привык. Чаще всего, сначала по аниматику аниматор делает отрисовку основных локаций персонажей. После этого уже идет анимирование промежуточных кадров между этими локациями и все остальное.

Основные принципы мультипликации

В классической анимации (мультипликации) мультфильм создается из последовательности статичных картинок (кадров). Частота кадров может быть разная (чаще всего, это от 12 до 30 кадров в секунду). То есть за секунду просматривается 12-30 кадров, каждый из которых немного отличается от предыдущего. За счет этого создается видимость движения.

Чем больше кадров в секунду, тем более плавное движение, чем меньше, тем более прерывистое. Для флеш мультфильмов в интернете, чаще всего, используется 12-18 кадров в секунду - это связано с тем, что делать 24-30 кадров в секунду в 2 раза дольше, чем 12-15. Для ТВ стандарт Pal 24-25 кадров для NTSC 30 кадров в секунду. Но, конечно, лучше и для интернета делать те же 24-25 кадров в секунду - такая анимация выглядит более плавно и красиво.

Нужно сказать, что мультфильмы для интернета - это, обычно, флеш мультфильмы. Эта программа анимации ориентирована именно на интернет и имеет ряд особенностей, которые позволяют упростить работу над мультфильмом и уменьшить размер конечного файла.

Размер файла мультфильма был очень важен несколько лет назад, когда все сидели еще на модемах и о повсеместном использовании онлайн видео не могло быть и речи - слишком медленно все грузилось. Тогда формат swf был незаменим для мультфильма. Однако сейчас ситуация сильно изменилась - интернет стал быстрым и недорогим, и мультфильмы, чаще, уже переводят в видео формат.

На видео анимация в программе Флеш

Что касается оптимизации труда аниматора, флеш предлагает, тоже, интересные решения. Классическая покадровая анимация очень трудоемка и для интернета это совершенно нерентабельно, как правило. На флеше можно делать анимацию как покадрово, так и перекладкой (с помощью motion tweening), также, в последних версиях программы добавлена возможность создания анимации по скелету, ну и, само собой, использование символов (анимационные куски могут быть зациклены и использованы по многу раз где нужно). Все это существенно помогает сократить время и сделать анимацию быстрее. Безусловно, анимация по скелету, перекладкой или покадрово будет в каждом из этих случаев выглядеть по-разному. Разумнее всего сочетать эти возможности, добиваясь оптимального результата.

Постпродакшн, компоузинг для мультфильмов

Постпродакшн и компоузинг для мультфильмов - это работа, которая может проводиться уже после того, как мультфильм готов. Это является необязательным этапом (флеш мультфильмы, обычно, делаются без него). Однако, этот этап нельзя недооценивать, если речь идет об использовании красивых растровых картинок в мультфильме, интересных красочных эффектов, создании мультфильма для ТВ. Анимация может быть в смешанной технике. К примеру, может быть видео людей снятое с хромакеем (на зеленом фоне, который в последствии удаляется при компоузинге). Скажем, какие-то люди танцуют на этом видео. Можно сделать анимированные фоны и поместить туда этих танцующих людей, то есть они будут танцевать уже в такой мультяшной стране. Или, наоборот, фотографии или видео могут быть использованы как фон, а сверху могут быть наложены анимированные персонажи.

Можно, например, снять на видео какой-то ресторан, а потом сделать анимированного повара, который ходит по ресторану и рассказывает, как всё в нем устроено. С помощью компоузинга можно достичь красивого органичного совмещения анимации с фонами, сделать цветокоррекцию и т.п. Все это позволяет сделать мультфильм максимально привлекательным и законченным.

Нужно сказать, что мультфильмы для интернета - это, обычно, флеш мультфильмы. Эта программа анимации ориентирована именно на интернет и имеет ряд особенностей, которые позволяют упростить работу над мультфильмом и уменьшить размер конечного файла

Программы для анимации

Существует множество программ для работы с анимацией. Есть разные техники и анимации и разные варианты программ позволяющие создавать мультфильмы в тех или иных техниках.

Самые популярные из них: Adobe Flash, Toonz, Toon Boom Studio, Adobe After Effects, Anime Studio. Есть и многие другие, но ограничимся в этой статье этими.

Flash стал лидером в создании анимации для интернета за счет своих гибких возможностей. Toon Boom Studio можно назвать аналогом, имеющим свои особенности, конечно, и без таких возможностей программирования, как у флеша.

Toonz больше подходит для покадровой анимации. After Effects - очень мощная программа для создания эффектов, теледизайна, компоузинга, также, в ней можно делать анимацию с растровой перекладкой. Anime Studio интересна своей простотой, возможностью анимации по скелету и качественным рендером растра.

В общем, все зависит от задач и предпочтений. Есть еще программы для 3d анимации, пластилиновой анимации и т.п. Но это уже отдельный разговор.

Посмотрите мультфильмы нашей студии здесь: