Известна своими оперными певцами и произведениями. Если вы любите оперу, постарайтесь посетить хотя бы одно представление (билеты покупайте заранее). Оперный сезон, как правило, длится с октября по апрель, летом же можно посетить различные представления на открытом воздухе.
Лучшие оперные театры Италии и пара летних оперных фестивалей:
Театр Ла Скала - Teatro Alla Scala
Адрес : Piazza Giuseppe Verdi, 10, 43011 Busseto Parma
Театр Верди в Пизе - Teatro Verdi di Pisa
Адрес : Piazza Beniamino Gigli, 7, 00187 Roma
Купить билеты онлайн (итальянский язык)
Арена ди Верона - Arena di Verona
Хотя это и не театр, веронский амфитеатр является фантастическим местом для оперных представлений. Сезон начинается в июне.
Адрес : Piazza Brà, 1, 37121 Verona
Купить билеты онлайн
Фестиваль Пуччини - Festival Pucciniano
Этот оперный фестиваль проводится в Торре-дель-Лаго-Пуччини (Torre del Lago Puccini) в Тоскане – доме известного оперного композитора Джакомо Пуччини. Время проведения фестиваля: июль-август.
Адрес : Via delle Torbiere, 55049 Viareggio Lucca
Купить билеты онлайн (английский, немецкий либо итальянский язык)
Оперный фестиваль Сферитерио в Мачерате - Sferisterio - Macerata Opera Festival
Оперный фестиваль Сферитерио проводится на открытом воздухе на арене в городке Мачерата региона Марке . Представления проходят в июле и августе.
Адрес : Piazza Giuseppe Mazzini, 10, 62100 Macerata
Купить билеты онлайн (английский либо итальянский язык)
Как ни удивительно, но самый большой европейский театр находится не в Лондоне и даже не в Вене, а в Неаполе. Королевский театр Неаполя или Театр Сан-Карло вмещает 3285 человек.
Кроме того, он является самым старым действующим театром мира. Оперный театр Сан-Карло был открыт в 1737 году королем Карлом Бурбоном. До строительства театра Ла Скала в Милане этот оперный театр был самым престижным театром в Италии.
Тут было поставлено множество опер, среди которых знаменитые произведения Джоаккино Россини. В двадцатом веке в театре работали и ставили свои оперы такие композиторы и дирижёры, как Джакомо Пуччини, Пьетро Масканьи, Руджеро Леонкавалло, Умберто Джордано, Франческо Чилеа.
Teatro alla Scala (Ла Скала), Милан
Несмотря на то, что миланский театр La Scala не может похвастаться выдающимися статистическими рекордами, именно он является, пожалуй, самой известной сценой мира.
Всемирно известный Миланский оперный Teatro alla Scala был построен в 1776-1778 годах на месте церкви Санта-Мария делла Скала, откуда произошло и название самого театра. Новая площадка была открыта 3 августа 1778 года постановкой оперы Антонио Сальери «Признанная Европа».
Во время Второй мировой войны театр был разрушен. После восстановления его первоначального вида инженером Л. Секки театр снова был открыт в 1946 году. Сейчас зрительный зал Ла Скала состоит из 2 015 мест.
Выступить в этом театре - честь для любого артиста, с 18 века сюда съезжаются лучшие из лучших. С Ла Скала тесно связаны имена многих великих оперных композиторов мира, в том числе Россини, Доницетти и Верди.
В Ла Скала располагается не только оперная труппа, но и одноименные хор, балет и симфонический оркестр. В фойе организован музей, в котором представлены картины, скульптуры, костюмы и исторические документы, связанные с историей оперы и театра.
Кстати, при посещении театра стоит помнить о том, что в Ла Скала принято приходить в черных одеждах.
(Королевский оперный театр ), Лондон
Спорить в оперном искусстве с Италией мало кому по силам, однако современный театр был возрожден именно в Британии.
Королевский театр Ковент-Гарден считается одной из самых известных площадок мира. Первый театр на этом месте был построен еще в 1732 году. После пожаров 1808 и 1856 годов здание было полностью уничтожено. Нынешнее здание театра было построено по проекту Барри (сына архитектора, построившего Парламент) а 1858 году.
Здесь в 1892 году впервые в Великобритании была исполнена грандиозная опера Вагнера «Кольцо Нибелунга» под управлением выдающегося композитора и дирижера Густава Малера. В настоящее время это здание служит домом для королевской оперной и балетной трупп, хотя в нем нередко дают представления гастролирующие оперные и балетные театры из различных стран.
В декабре 1999 года театр был вновь открыт после реконструкции, которая позволила существенно расширить зрительный зал. Здесь также появилось новое фойе в Цветочном зале, где регулярно проводятся концерты. В отличие от Лондонского Колизея (National Opera), где все оперы исполняются на английском языке, независимо от оригинала, в Королевской опере все исполняется на том языке, на котором опера была написана.
(Парижская опера или Опера Гарнье), Париж
Парижский государственный оперный театр много лет является сердцем французской музыкальной и театральной культуры. В настоящее время носит название «Национальная академия музыки и танца». Театр был открыт 5 января 1875 года, в нём также расположилась балетная школа, существующая с 1713 года и считающаяся самой старой в Европе.
Здание расположено во дворце Гарнье в IX округе Парижа, в конце Оперного проспекта, около одноимённой станции метро. Здание считается эталоном эклектической архитектуры в стиле боз-ар. Оно относится к эпохе крупных преобразований города, успешно воплощённых Наполеоном III и префектом Османом. Здание Гранд-Опера поражает сложностью декора и несколько чрезмерной роскошью, то же самое относится и к интерьеру театра.
Вестибюль главной лестницы — одно из самых знаменитых мест Оперы Гарнье. Выложенный мрамором разных цветов, он вмещает двойной пролёт лестницы, ведущей к театральным фойе и этажам театрального зала. Парадная лестница это тоже театр, та сцена, где во времена кринолинов дефилировала избранная публика. На четырёх частях расписанного потолка изображены различные музыкальные аллегории. Внизу лестницы стоят два бронзовых торшера — женские фигуры, держащие букеты из света.
Большое фойе было задумано Гарнье по образцу парадных галерей старых замков. Игра зеркал и окон визуально придает галерее еще больший простор. На великолепном, расписанном Полем Бодри потолке — сюжеты музыкальной истории, а главным декоративным элементом служит лира.
Красно-золотой зрительный зал в итальянском стиле выполнен в форме подковы. Он освещен огромной люстрой из хрусталя, а потолок расписан в 1964 году Марком Шагалом. Зал вмещает 1900 зрительских кресел, отделанных красным бархатом. Великолепный занавес из расписной ткани имитирует красную драпировку с золотыми галунами и кистями.
(Венский государственный оперный театр), Вена
Венская Государственная опера - ведущий оперный коллектив Австрии. Само здание, в котором она находится сейчас, было построено в 1869 году, но первые представления оперной труппы давались еще на 2 столетия раньше. Они проходили в королевском дворце, а также на подмостках других театров.
Театр открылся 25 мая оперой Вольфганга Амадея Моцарта «Дон Жуан». Зрительский зал насчитывает 1313 сидящих мест, но есть еще и стоячие места, их 102.
Фасад Венской оперы богато украшен, на нем запечатлены фрагменты из оперы «Волшебная флейта», написанной Моцартом. Расцвет театра связан с именем выдающегося австрийского композитора и дирижера Густава Малера.
С 1964 года в оперном театре проходят показы известного на весь мир балета «Лебединое озеро», главную партию в котором долгие годы исполнял талантливый хореограф Рудольф Нуриев, поклонниками которого стали многие жители и гости Вены.
Ежегодно в феврале здание преображается, здесь проходит самый известный бал Австрии, а в ночное время и сцена, и зрительский зал превращаются в огромную танцевальную площадку, где кружат в вальсе многочисленные пары.
, Москва
Государственный академический Большой театр России (ГАБТ РФ), или просто Большой театр — один из крупнейших в России и один из самых значительных в мире театров оперы и балета. Историю театра принято вести с марта 1776 года.
Во время войны с Наполеоном здание театра сгорело, поэтому в 1821 году началось строительство театра на изначальном месте. Вновь открылся он спустя три года 20 августа 1856-го.
Очередная реконструкция была произведена уже в XXI веке. Оперный театр возобновил свою работу в 2012 году после реконструкции. Новые кресла для зрительного зала повторяют внешний облик кресел досоветской эпохи, вернулось к прежнему количеству и число зрительских мест. Стулья и кресла стали более удобными, увеличилась ширина проходов.
Декор зрительного зала был восстановлен в том виде, в каком его задумал изначально Кавос. На золочение лепных элементов из папье-маше ушло 4,5 кг золота. По специальному заказу для Большого театра изготовили и доставили из Бельгии орган.
Пожалуй, самыми знаменитыми постановками театра являются балеты «Лебединое озеро» и «Золотой век» в постановке Григоровича.
, Санкт-Петербург
Мариинский театр ведёт свою историю от основанного в 1783 году по приказу императрицы Екатерины Великой Большого театра. Собственно Мариинский театр, названный так по имени супруги Александра II императрицы Марии Александровны, открылся 2 октября 1860 года оперой Михаила Глинки «Жизнь за царя».
В 1883-1896 годах в здании Мариинского театра были проведены масштабные восстановительные работы под руководством архитектора В. Шретера. В результате работ были значительно улучшены акустические условия сцены и зрительного зала, возведены необходимые пристройки, созданы великолепные интерьеры, принесшие Мариинскому театру славу одного из красивейших театров не только России, но и всего мира.
На протяжении вот уже более века Мариинский театр является символом русской театральной культуры. С Мариинским театром связаны имена таких известных деятелей русской сцены, как Ф. Шаляпин, Ф. Стравинский, Г. Уланова, А. Павлова, Р. Нуреев, М. Барышников и многих других.
Всемирно-известные постановки Мариинского театра, такие как «Лебединое озеро», «Евгений Онегин», «Щелкунчик», были признаны классикой мирового искусства.
Представляем вторую часть нашей подборки самых красивых театров Италии.
Вконтакте
Римский Оперный Театр
Первое здание Римского оперного театра, известное как Театр «Костанци», было построено в 1874 году. Главный зал театра был соединён подземным переходом с отелем Квиринале, построенным в 1865 году, именно в то время, когда вследствие объединения Италии происходила интенсивная застройка Рима между центральным вокзалом и площадью Венеции.
В 1926 году театр был выкуплен администрацией Рима. Достройка, расширение и перепланировка были поручены архитектору Марчелло Пьячентини, который полностью изменил его внешний облик, увеличив до четырёх количество ярусов зрительного зала и установив самую большую в мире люстру из муранского хрусталя. Театр получил имя «Королевский оперный театр» и был торжественно открыт 27 февраля 1928 года Нероном ди Арриго Боито.
После второй мировой войны в 1956 году театр вновь стали расширять и перестраивать. Помимо прочего, было решено создать зал для почётных гостей и фойе. Работы завершились в 1960 году. Таким образом, вместимость театра составила 1700 мест.
Премьера «Тоски» Пуччини прошла в театре «Костанци» в 1900 году. Здесь же прошла итальянская премьера его «Девушки с запада» с участием дирижёра Артуро Тосканини в 1911 году, а также «Джанни Скикки» в 1919 году. В 1910 году в театре прошла премьера «Майи» Руджеро Леонкавалло, десятью годами позже здесь состоялась премьера «Ромео и Джульетты» Риккардо Зандонаи.
Пьетро Масканьи был завсегдатаем римской оперы, был её художественным руководителем в 1909-1910 году, в этом же театре прошли такие премьеры композитора, как «Сельская честь» в 1890 году, «Друг Фриц» в 1891 году, «Ирис» в 1898 году с участием Энрико Карузо, и «Жаворонок» в 1917 году.
Помимо премьер, зрителям запомнились такие постановки, как «Женитьба Фигаро» Моцарта (1964 год), «Дон Карло» Джузеппе Верди (1965 год, дирижёр Карло Мария Джулини, режиссёр Лукино Висконти).
Неаполитанский Оперный Театр Сан-Карло
Открытие театра, построенного по приказу Карла III, состоялось в 1737 году оперой «Ахилл на Скиросе» Доменико Сарро по либретто Пьетро Метастазио. Это самый старый оперный театр Европы и один из самых больших в Италии. Его вместимость составляет 2000 зрителей. Вскоре театр становится сердцем неаполитанской оперной школы и центром культуры международного уровня: в 1751 году на его сцене ставят «Милосердие Тито» Глюка, в 1761 году – «Катона в Утике» и «Александра в Индии» И.К. Баха, впоследствии с театром сотрудничали Гендель, Гайдн и молодой Моцарт, впервые посетивший театр как зритель в 1778 году.
«Глаза ослеплены, душа повержена. […] Нет ни одного театра в Европе, способного даже не приблизиться к нему, а лишь составить его бледную тень». (Стендаль, 1817 год).
В XIX веке, когда Неаполь блистал среди европейских столиц и был обязательным этапом «Большого путешествия» детей знатных семейств, началось золотое время Сан-Карло, где тогда дирижировали Россини и Доницетти. Все известные артисты того времени почитали за честь выступить на сцене этого театра. В 1819 году здесь дал два концерта Николо Паганини, а в 1826 году на его сцене состоялась премьера «Бьянки и Фернандо» Винченцо Беллини, написанной специально для Сан-Карло.
Позже его зрители наслаждались операми Пучини, а на рубеже XIX-XX века – музыкой «молодой школы» Масканьи и неаполитанцев по рождению и образованию Леонкавалло, Джордано, Чилеа и Альфано.
Венецианский Гран-театр «Ла Фениче»
Строительство театра началось в 1789 году по проекту архитектора Джаннантонио Сельвы и закончилось в 1792 году. Главный оперный театр Венеции находится в Сестьере ди Сан Марко. Театр появился благодаря семье Веньер, так как предыдущий театр Сан-Бенедетто, один из самых элегантных и престижных в городе, был уничтожен пожаром. Название нового театра («Феникс») символизирует возрождение искусства из пепла. Имя стало вещим, так как впоследствии театр неоднократно горел и восстанавливался. Последнее возрождение состоялось в 2003 году после сильнейшего пожара 1996 года, полностью его уничтожившего.
На восстановление и реконструкцию потребовалось целых семь лет. На его открытии 21 декабря 2003 года увертюрой «Освящение дома» дирижировал Риккардо Мутти, также были исполнены «Симфония псалмов» Стравинского (композитор похоронен на о. святого Михаила в Венеции) и «Те Deum» Антонио Кальдары, видного венецианского композитора XVII-XVIII веков. Церемонию завершило исполнение «Трёх симфонических маршей» Вагнера, композитора, тесно связанного с Венецией.
Невозможно перечислить все премьеры «Ла Фениче». В XIX веке это были оперы Россини, Беллини, Доницетти и Верди. Не меньше и список дирижеров, певцов и режиссёров, поднимавшихся на его сцену. С 1930 года на сцене «Ла Фениче» проходит отделение Современной музыки венецианского Биеннале. В рамках Биеннале впервые были исполнены некоторые произведения Стравинского, Бриттена, Прокофьева, Ноно, Мадерны и Малипьеро.
Туринский королевский театр
Театр был построен по приказу короля Карла-Эммануила III всего за 2 года архитектором Бенедетто Алфьери. Открытие состоялось 26 декабря 1740 года. Он вмещал до 2500 зрителей в просторном партере и пяти ярусах лож и галерей, здесь ставились самые интересные спектакли с роскошными декорациями. С 1997 года театр входит в перечень Всемирного наследия ЮНЕСКО. С театром тесно связаны имена Джакомо Пуччини, доверившего театру «Реджо» премьеру «Манон Леско» и «Богемы», а также Рихард Штраус, дирижировавший «Саломеей» во время её итальянской премьеры в 1906 году.
В ночь на 9 февраля 1936 года театр был уничтожен пожаром. Для его восстановления потребовалось почти 40 лет.
Повторное открытие театра состоялось 10 апреля 1973 года оперой Джузеппе Верди «Сицилийская вечерня» в постановке Марии Каллас и Джузеппе ди Стефано. Театр вновь становится значимым центром культурной жизни Пьемонта и Италии. В 1990 году в театре отпраздновали 250-летие со дня основания, в 1996 году – столетие мировой премьеры «Богемы». В 1998 году отметили 25-летие восстановления театра, а в 2006 – XX зимние олимпийские игры и Олимпиаду культуры. С 2007 года музыкальным руководителем театра является композитор Джанандреа Нозеда.
Театр Петруццелли в Бари
Театр Петруццелли – четвёртый по величине в Италии и самый большой частный театр Европы. Своим появлением в 1903 году он обязан семье Петруццелли, пожелавшей полностью вызолотить его изнутри, а также оборудовать его отоплением и электрическим освещением.
С самого начала на его сцене выступали величайшие музыканты своего времени, включая композитора Пьетро Масканьи, теноров Беньямина Джильи и Марио дель Монако, дирижёров Герберта фон Караяна и Риккардо Мути, певицу Ренату Тебальди и Лучано Паваротти. В восьмидесятых в театре состоялись две громкие премьеры: «Ифигения таврическая» Никколо Пиччинни, ни разу более не исполнявшаяся после парижской премьеры 1779 года, и неаполитанскую версию «Пуритан» Беллини, написанную специально для Марии Малибран и ни разу не исполнявшуюся.
В ночь на 27 октября 1991 года театр был повреждён во время пожара. На восстановление ушло почти 18 лет. Повторное открытие было ознаменовано исполнением Девятой симфонии Бетховена, которой дирижировал Фабио Мастранджело. Оперный сезон открылся в этом же году «Турандот» Пуччини.
Оперный театр Джузеппе Верди в Триесте
Оперный театр «Джузеппе Верди» — один из старейших действующих оперных театров в мире. Начало его постройки было положено в 1798 году по проекту архитектора Джан Антонио Сельвы (он же проектировал венецианский «Ла Фениче»). Строительство завершилось в 1801 году уже под руководством Маттео Пертша. По строению здание напоминает миланскую Ла Скалу. Первой постановкой стала «Женевьева Шотландская» Симона Майра.
Во время оперного сезона 1843-44 года «Набукко» Джузеппе Верди имела ошеломляющий успех у публики. В 1848 году в театре состоялась премьера вердиевских «Корсара», а в 1850 году – «Стиффелио». В честь великого композитора городской совет Триеста решил назвать городской оперный театр его именем.
Театр Массимо в Палермо
Театр Массимо Витторио Эмануэле в Палермо – это самый большой оперный театр Италии и третий по размеру в Европе после парижской Опера и венской государственной оперы. Его площадь составляет 7700 квадратных метров.
Здание построено в неоклассическом стиле на земле церкви Стигматов и монастыря святого Юлиана, снесённых ради постройки театра. Работы начались в 1875 году по проекту архитектора Джованни Баттиста Филиппо Базиле. Открытие состоялось 16 мая 1897 года оперой «Фальстаф» Джузеппе Верди в постановке Леопольда Муньоне.
Любопытный факт: в 1990 году театр стал местом съемок «Крестного отца III» Фрэнсиса Форда Копполы с участием Аль Пачино, Энди Гарсии и Софии Коппола. Здесь снималась сцена, когда Майкл Корлеоне, приехавший в Палермо, присутствует на дебюте дочери в «Сельской чести» Пьетро Масканьи.
В первый оперный сезон театр давал «Аиду» (15 выступлений), затем были поставлены «Лоэнгрин», «Травиата», «Манон Леско». Огромным успехом в те годы пользовалась опера «Король Лахорский» Жюля Массне. Её сыграли 17 раз в одном сезоне.
1906-1919 годы пришлись на расцвет «палермского либерти», ознаменованного локальными премьерами опер Вагнера: «Валькирия», «Зигфрид», «Сумерки богов», «Тристан и Изольда», «Парсифаль». Были поставлены мировые премьеры четырёх опер: «Потерявшиеся в темноте» Стефано Донауди, «Венеция» Риккардо Сторти, «Месяц Марии» Умберто Джордано, «Баронесса Карини» Джузеппе Муле.
Пармский Театр Реджо
Здание театра «Реджо» в Парме начали строить в 1821 году по проекту архитектора Никола Беттоли по инициативе герцогини Марии-Луизы Австрийской, жены Наполеона, поставленной управлять герцогством Пармы и Пьяченцы после Венского конгресса. Герцогиня поддерживала великие традиции итальянской музыки и сочла существующий театр Фарнезе недостойным потребностям города. Открытие нового театра состоялось 16 мая 1829 года оперой «Заира», специально сочинённой ради этого события Винченцо Беллини. Первый оперный сезон продолжился «Моисеем и Фараоном», «Смертью Семирамиды» и «Севильским цирюльником» Джоакино Россини.
С самого момента основания театр «Реджо» стал свидетелем и участником глубоких изменений оперного жанра, ознаменовавших закат эпохи Россини и расцвет Верди, рост интереса к немецкой и французской опере, движение в сторону реализма в творчестве Масканьи, Леонкавалло и Пуччини.
Театр и сегодня считается настоящим хранителем итальянской оперной традиции, не уступающим миланскому Ла Скале и венецианскому Фениче, хотя, конечно, он менее известен в мире.
Если вы хоть раз бывали в Италии, то вы знаете, чем гордятся жители Аппенинского полуострова. Галерея Уффици и собор Санта Мария дель Фьоре во Флоренции, Колизей и фонтан Треви в Риме, Базилика Святого Марка и Гранд Канал в Венеции. Кажется, в этом списке чего-то не хватает? Правильно, недостает миланского театра Ла Скала, одного из самых известных оперных театров мира..
Ласковое имя
Тех, кто немного знаком с итальянским языком, название театра Ла Скала может удивить. Действительно, итальянское слово skala в переводе на русский обозначает, как ни странно, обычную лестницу. Но на самом деле свое имя театр получил от церкви Санта-Мария делла Скала, на месте которой он и был построен. А церковь так окрестили в честь могущественной покровительницы, одной из рода правителей Вероны, которые носили фамилию Скалигер.
Миллион лир на новый театр
В 70-х годах XVIII века в Милане уже существовал Королевский Герцогский театр. Но в 1776 году он был поглощен пожаром, так что жителям города пришлось задуматься о создании нового театра — терять славу столицы итальянской оперы не хотелось. С согласия императрицы Марии-Терезы Австрийской известному архитектору Джузеппе Пьермарини было поручено спроектировать новое здание на месте церкви.
В XVIII веке в Милане уже существовал Королевский Герцогский театр
Театр обошелся городу почти в миллион лир, что по тогдашним меркам было огромной суммой! 90 самых именитых городских аристократов распределили между собой расходы и раскошелились. На создание блестящего образца неоклассического стиля архитектору Пьермарини и его помощникам понадобилось два года, и уже в 1778 году театр был открыт для посетителей.
Здание театра Ла Скала
Центр миланской жизни
С самого своего открытия Ла Скала полюбился зрителям. Зал театра, выполненный в виде огромной подковы (100 на 38 метров!), оснащенный почти двумя сотнями лож, каждая из которых вмещала до 10 зрителей, богато украшенный позолотой, никогда не пустовал.
Зал театра, выполненный в виде огромной подковы
Правда, далеко не все горожане приходили в театр послушать оперу. В то время Ла Скала стал настоящим центром миланской жизни. Его оборудовали игорными комнатами и буфетами, в стенах театра проводили картежные вечера, балы и даже корриду!
Зал театра Ла Скала
Россини, Верди и Чайковский
Первым произведением, поставленным на сцене новорожденного театра, стала опера Антонио Сальери «Узнанная Европа», которую композитор написал специально для боевого крещения Ла Скала. Интересно, что после реконструкции в 2004 году «Узнанная Европа» вновь открыла череду постановок на подмостках театра. Наверное, жители Милана видят в этом что-то символичное.
На сцене театра беспрерывно ставились шедевры именитых композиторов
На сцене театра беспрерывно ставились шедевры именитых композиторов. За многие годы своей работы Ла Скала успел посотрудничать с Керудини, Паизиелло, Россини (знатоки даже говорят об особом россиниевском периоде в истории театра). Нельзя не упомянуть Доницетти, Беллини, Пуччини и, конечно, Верди! Правда, с миланским театром последний подружился не сразу. После постановки его «Жанны Д`Арк» композитор расторгнул контракт с Ла Скала и ушел. Чуть позже вернулся снова, уже по уши влюбленный в этот театр. На сцене «миланца» не раз ставились произведения и русских классиков. Например, с восторгом были приняты «Пиковая дама» Чайковского, «Борис Годунов» и «Хованщина» Мусоргского, «Любовь к трем апельсинам» Прокофьева и «Катерина Измайлова» Шостаковича.
Джузеппе Верди
Битва титанов
Конечно, разве бывает театр без исполнителей? В числе знаменитых оперных певцов, выступавших на сцене Ла Скала, можно называть Карузо и Руффо, де Лука и Скипа, Джильи и Бензанцони, Канилья и Дель Монако, а также известнейшего русского певца Шаляпина! Середина XX века любителям оперы запомнилась как легендарное противостояние двух примадонн — Тебальди и Каллас. У каждой из певиц появился свой настоящий фан-клуб. Страсти иногда накалялись настолько, что поклонников оперных див приходилось разнимать полиции. Нельзя сказать, кто победил в этом соперничестве, но в 1955 году Каллас заслужила титул «божественной», исполняя партию в «Травиате».
Рената Тебальди
Мария Каллас
Двадцатилетний гений
Для многих любителей оперы название театра Ла Скала прочно ассоциируется с именем его самого знаменитого дирижера — Артуро Тосканини. Впервые на сцену миланского театра он вышел в 1887 году в 20 лет, уже тогда будучи знаменитым — он прославился, исполняя в Бразилии «Аиду». Юный дирижер дебютировал с оглушительным успехом, взял в руки бразды правления театром и ввел железную дисциплину. Тосканини был неутомим, он проводил многочасовые репетиции, невзирая на то, что многие актеры едва не валились с ног от усталости. В начале 30-х годов гению пришлось покинуть Италию из-за несогласия с идеологией правительства, и дирижер уехал в Америку. Когда в 1943 году Тосканини узнал, что театр разрушен бомбами, он впал в уныние. В 1945 он пожертвовал миллион лир на восстановление своего любимого детища, а уже в 1946 приехал в солнечный Милан, чтобы вновь дирижировать в обновленном театре.
Артуро Тосканини
Рука об руку с балетом
Кроме оперы театр Ла Скала знаменит, конечно, и своим балетом. Самые именитые балетмейстеры Европы работали на подмостках этого театра: Росси, Франки, Клерико, Вигано, Тальони, Казати — это далеко не полный список.
Кроме оперы театр Ла Скала знаменит, конечно, и своим балетом
На сцене Ла Скала выросла целая плеяда прекрасных танцоров и танцовщиц: Вулькани, Пелозини, Фабиани, Франки, Черрито, Сальвиони и многие другие. Среди постановок и до сих пор известны «Творения Прометея», «Весталка», «Жизель», «Лебединое озеро», «Щелкунчик», «Дафнис и Хлоя», «Ромео и Джульетта».
Екатерина Астафьева
Содержание статьи
ИТАЛЬЯНСКИЙ ТЕАТР. Театральное искусство Италии своими истоками восходит к народным обрядам и играм, к карнавалам , культовым песням и пляскам, связанным с природным циклом и сельскими работами. Богаты песнями и драматическим действием были майские игры, проходившие у пылающего костра, символизирующего солнце. С середины 13 в. в Умбрии возникает лауда (lauda), своеобразный вид площадного зрелища, –религиозные хвалебные песнопения, постепенно получившие диалогическую форму. Сюжетами этих представлений становились преимущественно евангельские сцены – благовещение, рождение Христа, деяния Христа... Среди сочинителей лауд выделялся тосканский монах Якопоне да Тоди (1230–1306). Наиболее известное его сочинение Плач Мадонны . Лауды послужили основой для возникновения священных представлений (sacre rappresentazioni), получивших развитие в 14–15 вв. (первоначально также в центральной Италии), – жанра, близкого мистерии , распространенного в странах северной Европы. Содержание священных представлений строилось на сюжетах Ветхого и Нового Заветов, в которые добавлялись сказочные и реалистические мотивы. Представления разыгрывались на подиуме, установленном на городской площади. Сцена строилась по принятому канону – внизу «ад» (раскрытая пасть дракона), вверху «рай», а между ними другие места действия – «Гора», «Пустыня», «Царский дворец» и т.д. Одним из наиболее известных авторов этого жанра был Фео Белькари – Представление об Аврааме и Исааке (1449), Святой Иоанн в пустыне (1470) и др. Сочинял священные представления и правитель Флоренции Лоренцо Медичи .
В 1480 молодой придворный поэт и знаток античности Анджело Полициано (1454–1494) по заказу кардинала Франческо Гонзага написал пасторальную драму на сюжет древнегреческого мифа Сказание об Орфее . Это был первый пример обращения к образам античного мира. С пьесы Полициано, пронизанной светлым, жизнерадостным чувством начинается интерес к мифологическим пьесам и вообще увлечение античностью.
Итальянская литературная драма, с которой начинается история ренессансной западноевропейской драматургии, основывалась в своей эстетике на опыте античной драматургии. Комедии Плавта и Теренция определяли для итальянских драматургов-гуманистов тематику их произведений, состав действующих лиц и композиционное построение. Большое значение имели постановки латинских комедий школярами и студентами, в частности в Риме под руководством Помпонио Лето в 1470-х. Используя традиционные сюжеты, они вносили в свои сочинения новые характеры, современные краски и оценки. Содержанием своих пьес они сделали реальную жизнь, а героями – современного им человека. Первым комедиографом нового времени стал великий поэт позднего итальянского Возрождения Лудовико Ариосто . Его пьесы полны реалистических картин, острых сатирических зарисовок. Он стал основоположником итальянской национальной комедии. От него идет развитие комедии по двум направлениям – чисто развлекательному (Каландрия кардинала Бибиены, 1513) и сатирическому, представленному Пьетро Аретино (Придворные нравы , 1534, Философ , 1546), Джордано Бруно (Подсвечник , 1582) и Никколо Макиавелли , создавшему лучшую комедию эпохи – Мандрагору (1514). Однако в основном драматические сочинения итальянских комедиографов были несовершенны. Все направление неслучайно получило название «Ученой комедии» (commedia erudita).
Одновременно с литературной комедией появляется и трагедия . Крупных удач итальянская трагедия не дала. Пьес этого жанра сочинялось много, они содержали страшные истории, преступные страсти и невероятные жестокости. Их назвали «трагедиями ужасов». Наиболее удачное произведение жанра – Софонисба Дж.Триссино, написанное белым стихом (1515). Опыт Триссино получил дальнейшее развитие далеко за пределами Италии. Определенными достоинствами обладала и трагедия П.Аретино Гораций (1546).
Третьим – самым удачным и живым – жанром итальянской литературной драмы 16 в. стала пастораль, которая быстро получила распространение при дворах Европы (). Жанр приобрел аристократический характер. Место его рождения – Феррара. Знаменитая поэма Дж.Саннадзаро Аркадия (1504), прославлявшая сельскую жизнь и природу как «уголок для отдохновения», положила начало направлению. Самыми знаменитыми произведениями пасторального жанра стали Аминта Торквато Тассо (1573), произведение, полное истинной поэзии и ренессансной простоты, а также Верный пастух Д.-Б.Гуарини (1585), которое отличает усложненность и интриги, и поэтического языка, поэтому его относят к маньеризму.
Отрыв литературной драмы от зрителя не способствовало развитию театра. Сценическое искусство рождалось на площади – в выступлениях средневековых скоморохов (giullari), наследников мимов Древнего Рима, в веселых фарсовых представлениях. Фарс (farsa) формируется окончательно в 15 в. и приобретает все признаки народного представления – действенность, буффонность, житейскую конкретность, сатирическое вольнодумие События реальной жизни, становясь темой фарса, превращались в анекдот. В яркой, гротескной манере фарс высмеивал пороки людей и общества. Фарс оказал большое влияние на развитие европейского театра, а в Италии способствовал созданию особого вида сценического искусства – импровизированной комедии.
Вплоть до середины 16 в. в Италии не было профессионального театра. В Венеции, которая шла впереди в создании всякого рода зрелищ, уже на рубеже 15–16 вв. было несколько любительских театральных содружеств. В них участвовали ремесленники и люди из образованных слоев общества. Постепенно из такой среды начали выделяться группы полупрофессионалов. Наиболее значительный этап на пути рождения профессионального театра связан с актером и драматургом Анджело Беолько по прозвищу Руццанте (1500–1542), чья деятельность подготовила появление комедии дель арте . Его пьесы, Анконитанка , Москета , Диалоги входят в репертуар итальянского театра и в настоящее время.
К 1570 определились основные художественные составляющие нового театра: маски , диалекты, импровизация, буффонада. Утвердилось и его название комедия дель арте, что означало «профессиональный театр». Название «комедия масок» более позднего происхождения. Персонажи этого театра, т.н. постоянные типы (tipi fissi) или маски. Самыми популярными масками были Панталоне, венецианский купец, Доктор, болонский юрист, исполнявшие роли слуг дзанни Бригелла, Арлекин и Пульчинелла , а также Капитан, Тарталья, служанка Серветта и две пары Влюбленных. Каждая маска имела свой традиционный костюм и говорила на своем диалекте, лишь Влюбленные не носили масок и изъяснялись на правильном итальянском языке. Свои пьесы актеры играли по сценарию, импровизируя текст по ходу пьесы. В спектаклях всегда было много лацци и буффонады. Обычно актер комедии дель арте всю жизнь играл лишь свою маску. Наиболее известные труппы – «Джелози» (1568), «Конфиденти» (1574) и «Федели» (1601). Среди исполнителей было много великих актеров – Изабелла Андреини, Франческо Андреини, Доменико Бьянколелли, Никколо Барбьери, Тристано Мартинелли, Фламинио Скала, Тиберио Фьорилли и др. Искусство театра масок пользовалось огромной популярностью не только в Италии, но и за ее пределами, им восхищались как в высших слоях общества, так и простой народ. Комедия масок оказала большое влияние на формирование национальных театров Европы. Упадок комедии дель арте начинается со второй половины 17 в., а к концу 18 в. она прекращает существование.
Развитие трагедии, комедии, пасторали потребовало для их исполнения специального здания. Новый тип закрытого театрального здания со сценой-коробкой, зрительным залом и ярусами был создан в Италии на основе изучения античной архитектуры. Одновременно в итальянском театре 17 в. успешно шли поиски в области оформления сцены (в частности были созданы перспективные декорации), разрабатывалась и совершенствовалась театральная машинерия. И в 12, и в 13 вв. по всей стране строились театры, т.н. итальянские (all"italiana), которые затем распространились по всей Европе ().
Несмотря на экономическую и политическую отсталость, Италия отличалась богатством и разнообразием театральной жизни. К 18 в. Италия обладала лучшим в мире музыкальным театром, в котором различались два вида – серьезная опера и комическая опера (опера буфф). Существовал театр кукольный, повсеместно давались спектакли комедии дель арте. Однако реформа драматического театра назревала давно. В век Просвещения импровизированная комедия уже не отвечала требованиям времени. Нужен был новый, серьезный, литературный театр. Комедия масок в прежнем виде существовать не могла, но ее достижения надо было сохранить и бережно перенести в новый театр. Это сделал Карло Гольдони . Реформу он проводил осторожно. Он начал вводить в свои пьесы, полностью написанные и литературно отделанные тексты отдельных ролей и диалогов, и венецианская публика приняла его новшество с энтузиазмом. Впервые он применил этот метод в комедии Момоло, душа общества (1738). Гольдони создал театр характеров, отказавшись от масок, от сценария и в целом от импровизации. Персонажи его театра утратили свое условное содержание и стали живыми людьми – людьми своей эпохи и своей страны, Италии 18 в. Свою реформу Гольдони осуществлял в жестокой борьбе с противниками. Вторая половина 18 в. вошла в историю Италии как время театральных войн. Против него выступил аббат Кьяри, драматург посредственный и потому неопасный, но главным его оппонентом, равным ему по силе дарования, стал Карло Гоцци . Гоцци встал на защиту театра масок, поставив задачу возродить традицию импровизированной комедии. И на каком-то этапе казалось, что ему это удалось. И хотя Гольдони оставлял в своих комедиях места для импровизаций, а сам Гоцци в итоге записал почти полностью все свои драматические сочинения, их спор был жестоким и бескомпромиссным. Поскольку главный нерв противостояния двух великих венецианцев – в несовместимости их общественных позиций, в разных взглядах на мир и человека.
Гольдони в своих произведениях был выразителем идей третьего сословия, защитником его идеалов и морали. Вся драматургия Гольдони принизана духом разумного эгоизма и практицизма – нравственных ценностей буржуазии. Против пропаганды со сцены подобных взглядов в первую очередь и выступил Гоцци. Он написал десять поэтических сказок для театра, т.н. фьябы (fiaba/сказка). Успех театральных сказок Гоцци был ошеломляющим. А к своему недавнему любимцу Гольдони венецианская публика неожиданно быстро охладела. Измученный борьбой, Гольдони признал поражение и покинул Венецию. Но это ничего не изменило в судьбах итальянской сцены – реформа национального театра к тому времени уже завершилась. И театр Италии шел по этому пути.
С конца 18 в. в Италии начинается эпоха Рисорждименто – борьба за национальную независимость, за политическое объединение страны и буржуазные преобразования, – продолжавшаяся почти столетие. В театре важнейшим жанром становится трагедия. Крупнейшим автором трагедий был Витторио Альфьери . С его именем связано рождение итальянской репертуарной трагедии. Он создал трагедию гражданского содержания практически в одиночку. Страстный патриот, мечтавший об освобождении своей родины, Альфьери выступал против тирании. Все его трагедии проникнуты героическим пафосом борьбы за свободу.
Эпоха Рисорджименто вызвала к жизни новое художественное направление – романтизм . Формально его появление совпало со временем восстановления австрийского господства. Главой и идеологом романтизма был писатель Алессандро Мандзони . Своеобразие театрального романтизма в Италии в его политической и национально-патриотической направленности. Классицизм считался выражением австрийской ориентации, направлением, означавшим не только консерватизм, но и чужеземное иго, а романтизм объединял оппозицию. Почти все творцы итальянского театра и в жизни следовали тем идеалам, которые провозглашали: то были истинные мученики идеи – сражались на баррикадах, сидели в тюрьмах, терпели нужду, подолгу жили в изгнании. Среди них Г.Модена, С.Пеллико, Т.Сальвини, Э.Росси, А.Ристори, П.Феррари и др.
Герой романтизма – личность сильная, борец за справедливость и свободу, причем свободу не столько личную, сколько всеобщую – свободу Родины. Задачей времени было сплотить всех итальянцев в борьбе за общее дело. Поэтому социальные проблемы отходят на второй план и проходят незамеченными. Вопросы собственно формы итальянских романтиков также интересовали значительно меньше. С одной стороны, они отрицали строгие правила классицизма, провозглашая приверженность свободным формам, с другой, в своем творчестве романтики еще были очень зависимы от классицистской эстетики. Главный источник вдохновения драматургов-романтиков – история и мифология; сюжеты трактовались с точки зрения сегодняшнего дня, поэтому спектакли обычно принимали острую политическую окраску. К лучшим трагедиям относятся Кай Гракх В.Монти (1800), Арминия И.Пиндемонте (1804), Аякс У.Фосколо (1811), Граф Карманьолла (1820) и Адельгиз (1822) А.Мандзони , Джованни да Прочида (1830) и Арнольд Брешианский (1843) Д.Б.Николлини, Пия де Толомеи (1836) К.Маренко. Пьесы созданы во многом еще по классицистским образцам, но полны политических аллюзий и тираноборческого пафоса. Наибольший успех выпал на долю трагедии Сильвио Пеллико Франческа да Римини (1815).
Героическая трагедия во второй половине века уступает место мелодраме. Наряду с комедией мелодрама пользовалась большим успехом у зрителя. Первым драматургом стал Паоло Джакометти (1816–1882), автор около 80 сочинений для театра. Лучшие его пьесы: Елизавета, королева английская (1853), Юдифь (1858) и одна из самых репертуарных мелодрам 19 в. Гражданская смерть (1861). Драматургия Джакометти уже полностью освобождается от классицизма, его пьесы свободно сочетают черты комедии и трагедии, в них есть реалистически очерченные характеры, в них есть роли, поэтому театры охотно брали их к постановке. Среди комедиографов выделялся и Паоло Феррари (1822–1889), плодовитый драматург, продолжатель традиций Карло Гольдони. Его пьесы не сходили со сцены до конца века. Лучшая его комедия Гольдони и шестнадцать его новых комедий (1853) продолжает исполняться в Италии.
В 1870-е в победившей и объединенной Италии возникает новое художественное направление веризм . Теоретики веризма, Луиджи Капуана и Джованни Верга, утверждали, что художник должен изображать только факты, показывать жизнь без прикрас, он должен быть беспристрастным и воздерживаться от своих оценок и комментариев. Большинство драматургов весьма строго следовали этим правилам, и, быть может, именно это лишило их творения подлинной жизни. Лучшие произведения принадлежат перу Д.Верги (1840–1922), он чаще других нарушал предписания теории. Две его пьесы Сельская честь (1884) и Волчица (1896) входят в репертуар итальянских театров и в настоящее время. Пьесы сделаны мастерски. По жанру это трагедии из народной жизни. Их отличает мощный драматургический нерв, строгость и сдержанность выразительных средств. В 1889 П.Масканьи написал оперу Сельская честь .
В конце 19 в. появляется драматург, чья известность пересекает границы Италии. Габриеле Д"Аннунцио написал полтора десятка пьес, которые называл трагедиями. Все они были переведены на европейские языки. На рубеже веков Д"Аннунцио был очень популярным драматургом. Его драматургию обычно относят к символизму и неоромантизму, хотя в ней есть и черты неоклассицизма. Веристские мотивы в ней сочетаются с эстетизмом.
В целом, однако, достижения драматургии были более чем скромными; итальянский 19 в. остался в истории театра как век актерский. Высокая трагедия великих творений в драматургии не дала. Но трагическая тема в театре все же прозвучала, была услышана и получила мировое признание. Произошло это в опере (Джузеппе Верди) и в искусстве великих итальянских трагиков. Их появлению предшествовала театральная реформа.
Близкий классицизму тип актера сохранялся в итальянском театре довольно долго: исполнительское искусство оставалось в плену декламационности, риторики, канонических поз и жестов. Реформу сценического искусства, равную по значению реформе Карло Гольдони, совершил в середине века блистательный актер и руководитель театра Густаво Модена (1803–1861). Во многом он опередил свое время. Модена вывел на сцену человека со всеми его особенностями, естественной речью, «без лакировки, без котурнов». Он создал новый стиль актерской игры, главными особенностями которого стали простота и правда. В его театре была объявлена война премьерству, наметилась тенденция отхода от жесткого амплуа, впервые встал вопрос об актерском ансамбле. Влияние Густаво Модены на современников-коллег было огромным.
Аделаида Ристори (1822–1906) ученицей Модены не была, но считала себя близкой его школе. Первая великая трагическая актриса, чье искусство было признано за пределами Италии, она была истинной героиней своего времени, выразив его патриотический революционный пафос. В истории театра она осталась исполнительницей нескольких трагических ролей: Франческа (Франческа да Римини Пеллико), Мирра (Мирра Альфьери), Леди Макбет (Макбет Шекспира), Медея (Медея Легуре), Мария Стюарт (Мария Стюарт Шиллера). Ристори привлекали характеры сильные, цельные, героические, исполненные великих страстей. Актриса называла свою манеру реалистической, предлагая термин «колоритный реализм», имея в виду «итальянскую горячность», «пламенное выражение страстей».
Противоположностью Ристори была Клементина Каццола (1832–1868), романтическая актриса, которая создавала образы тончайшего лиризма и психологической глубины, ей были под силу характеры сложные. Она противостояла Ристори, которая всегда выносила на поверхность основную черту характера персонажа. В итальянском театре Каццола считается предшественницей Э.Дузе . К лучшим ее ролям относятся Пия (Пия де Толомеи Маренко), Маргарита Готье (Дама с камелиями Дюма), Адриена Лекуврер (Адриена Лекуврер Скриба), а также роль Дездемоны (Отелло Шекспира), которую она играла вместе со своим мужем, Т.Сальвини, великим трагиком.
Томмазо Сальвини, ученик Г.Модены и Л.Доменикони, одного из наиболее ярких представителей сценического классицизма. Актера интересует не обычный человек, а герой, чья жизнь отдана высокой цели. Прекрасное он ставил выше приземленной правды. Он высоко поднял образ человека. В его искусстве органично соединились великое и обыденное, героическое и повседневное. Он виртуозно умел управлять вниманием публики. Это был актер могучего темперамента, уравновешенного твердой волей. Образ Отелло (Отелло Шекспира) – высшее создание Сальвини, «монумент, памятник, закон на вечные времена» (Станиславский). Отелло он играл всю жизнь. К лучшим работам актера относятся также главные роли в пьесах Гамлет , Король Лир , Макбет Шекспира, а также роль Коррадо в пьесе Гражданская смерть Джакометти.
Творчество другого гениального трагика – Эрнесто Росси (1827–1896) представляет уже иную ступень в развитии сценического искусства Италии. Он был самым любимым и самым последовательным учеником Г.Модены. В каждом персонаже Росси старался увидеть не идеального героя, а просто человека. Тончайший психологический актер, он с мастерством мог показывать внутренний мир, передавать малейшие нюансы характера персонажа. Трагедии Шекспира – основа репертуара Росси, им он отдал 40 лет свой жизни и играл в них до последнего дня. Это главные роли в пьесах Гамлет , Ромео и Джульетта , Макбет , Король Лир , Кориолан , Ричард III , Юлий Цезарь , Венецианский купец . Играл он также в пьесах Дюма , Джакометти, Гюго, Гольдони, Альфьери, Корнеля, сыграл и в маленьких трагедиях Пушкина, и Ивана Грозного в драме А.К.Толстого. Художник-реалист, мастер перевоплощения, он не принял веризм, хотя сам всем своим искусством подготовил его появление.
Веризм, как художественное явление, с наибольшей полнотой на сцене выразил Эрметте Цаккони (1857–1948). Репертуар Цаккони – это, прежде всего современная пьеса. С огромным успехом он играл в произведениях Ибсена , А.К.Толстого , И.С.Тургенева , Джакометти... Крупнейшей фигурой был и его старший современник Эрметте Новелли (1851–1919), актер широкого диапазона, блистательный комик. Его творческая манера вмещала в себя все: от комедии дель арте до высокой трагедии и натурализма.
Самой крупной трагической актрисой рубежа веков была легендарная Элеонора Дузе. Тончайшая психологическая актриса, чье искусство казалось чем-то большим, чем искусство перевоплощения.
19 в. – время расцвета диалектальной культуры. Наибольшего развития она получает в Сицилии, Неаполе, Пьемонте, Венеции, Милане. Диалектальный театр – детище комедии дель арте, от нее он воспринял многое: импровизационный характер игры по заранее составленному сценарию, любовь к буффонаде, маски. Спектакли исполнялись на местном диалекте. Во второй половине 19 в. диалектальная драматургия только начинала обретать свою литературную основу. Диалектальный театр той поры – это прежде всего театр актерский. Хорошо был известен не только в Италии, но и за ее пределами сицилиец Джованни Грассо (1873–1930), «первобытный трагик», актер стихийного темперамента, гениальный исполнитель кровавых мелодрам. Огромным успехом пользовался северянин Эдоардо Ферравилла (1846–1916), блистательный комический актер, автор и исполнитель своих текстов. Антонио Петито (1822–1876) – самая легендарная фигура неаполитанского театра, гениальный импровизатор, работавший в технике комедии дель арте, непревзойденный исполнитель маски Пульчинеллы. Его ученик и последователь Эдуардо Скарпетта (1853–1925), гениальный актер, «король комиков», создатель своей маски Феличе Шошамокки, известный драматург. Лучшая его комедия – Беднота и знать (1888).
20 век.
Начало 20 в. вошло в историю сценического искусства как время театральной революции. В Италии роль новаторов сцены взяли на себя футуристы. Их цель – создание искусства будущего. Футуристы отрицали академический театр, существовавшие театральные жанры, пытались отказаться от акте ра или свести его роль к марионетке, отказаться также от слова, заменив его пластическими композициями и сценографией. Традиционный театр они считали статичным, полагая, что в век машинной цивилизации главное – движение. Виднейшими деятелями футуризма были Ф.Т.Маринетти (1876–1944) и А.Дж.Брагалья (1890–1961). Их театральные манифесты: Манифест театра-варьете (1913) и Манифест футуристического синтетического театра (1915) до сих пор не потеряли значения. Драматургия футуристов – это в основном произведения Маринетти, называемые синтезами (короткие сценки, исполняемые чаще без слов). Наибольший интерес представляет сценография: в футуристическом театре работали лучшие художники того времени: Дж. Балла , Э.Прамполини (1894–1956), Ф.Деперо (1892–1960). У зрителя театр футуристов успеха не имел: спектакли часто вызывали возмущение и нередко проходили со скандалами. Роль футуристов стала ясна позднее – во второй половине века: именно тогда их идеи получили дальнейшее развитие. Вместе с т.н. «драматургами гротеска» и драматургами «сумеречниками» футуристы подготовили появление крупнейшей фигуры театра 20 в. Л.Пиранделло. Большое значение в 1920–1930 имела деятельность и иностранных режиссеров: это постановки М.Рейнхардта , В.И.Немировича-Данченко , а также русских эмигрантов, постоянно живших в Италии, – актеров и режиссеров Петра Шарова (1886–1969) и Татьяны Павловой (1896–1975), познакомивших итальянцев с русской театральной школой и учением Станиславского.
Луиджи Пиранделло для театра начал писать в 1910. В первых пьесах, посвященных жизни на Сицилии и написанных на сицилийском диалекте, отчетливо ощущается влияние веризма. Главные темы его творчества – иллюзия и реальность, лицо и маска. Он исходит из того, что все в мире относительно, а объективной истины нет.
Среди других значительных актеров той эпохи Руджеро Руджери (1871–1953), Мемо Бенасси (1891–1957), а также сестры Граматика: Ирма (1870–1962) и Эмма (1875–1965). Из драматургов известность приобрел Сем Бенелли (1877–1949), автор репертуарной пьесы Ужин шуток (1909), и Уго Бетти (1892–1953), лучшая пьеса которого Коррупция во дворце правосудия (1949).
Между двумя мировыми войнами значительное место в культуре Италии занимал диалектальный театр (хотя политика фашистского государства была направлена на подавление диалектов). Особенным успехом пользовался неаполитанский театр. С 1932 начинает работать «Юмористический театр братьев Де Филиппо». Однако самая крупная фигура того времени – Раффаэле Вивиани (1888–1950), человек со «страдающим лицом и сверкающими глазами бродяги», создатель своего театра, акте р и драматург. Пьесы Вивиани рассказывают о жизни простых неаполитанцев, в них много музыки и песен. К лучшим его комедиям относятся Улица Толедо ночью (1918), Неаполитанская деревня (1919), Рыбаки (1924), Последний уличный бродяга (1932).
Период Сопротивления и первые годы после второй мировой войны вошли в историю Италии вторым Рисорджименто – так решительны и необратимы были изменения, произошедшие во всех сферах жизни и искусства. После долгих лет общественного застоя все пришло в движение и потребовало перемен. И если в годы фашистской диктатуры театр буквально задыхался от фальши, риторики и помпезности (такова была линия официального искусства), то теперь он, наконец, заговорил человеческим языком и обратился к живому человеку. Искусство послевоенной Италии поразило мир своей искренностью. На экран и на сцену пришла жизнь, как она есть, со всей ее нищетой, борьбой, победами и поражениями и простыми человеческими чувствами. После войны театр развивается в русле неореализма, одного из самых демократических и гуманистических направлений искусства двадцатого века. Диалектальный театр обретает новое дыхание. Неаполитанец Эдуардо Де Филиппо получает национальное признание, и его драматургия быстро завоевывает сцены мира. Свои пьесы он называл «инсценировкой реальной жизни». В его грустных комедиях речь идет о жизни, об отношениях в семье, о нравственности и назначении человека, о проблемах войны и мира.
Профессия режиссера, появившаяся в европейском театре на рубеже столетий, в Италии утверждается лишь во второй половине века. Первым режиссе ром в европейском смысле этого слова стал Лукино Висконти (1906–1976), художник-реалист, тонко чувствующий красоту, убежде нный антифашист и гуманист, работавший и в театре, и в кино. В театре Висконти спектакль понимается как целое, подчине нное единому замыслу, объявляется война премьерству, акте ры учатся работать в ансамбле. Наиболее значительные работы Висконти в драматическом театре: Преступление и наказание Достоевского (1946), Стеклянный зверинец (1946), Трамвай Желание Т.Уильямса (1949), Розалинда, или Как вам это понравится (1948), Троил и Крессида Шекспира, Орест Альфьери (1949), Трактирщица Гольдони (1952), Три сестры (1952), Дядя Ваня (1956), Вишне вый сад (1965) Чехова.
В первые послевоенные годы в Европе началось движение за доступные и понятные народные театры. В Италии оно слилось с борьбой за стационарные театры, получившие название Стабиле (stabile/постоянный). Первым Стабиле стал «Пикколо театро» в Милане, основанный в 1947 П.Грасси и Дж.Стрелером . Художественный театр на службе общества – вот задача, которую ставил перед собой «Пикколо театро». В творчестве Стрелера сошлись несколько линий европейской театральной культуры: национальная традиция комедии дель арте, искусство психологического реализма и эпический театр.
В 1960–1970-х европейский театр переживал подъе м. В итальянский театр пришло новое поколение режиссе ров и акте ров. Молодые люди, наиболее остро ощущая исчерпанность традиционного языка сцены, начали осваивать новое пространство, иначе работать со светом, звуком, искать новые формы взаимоотношений со зрителем. В те годы активно работали Джанкарло Нанни, Альдо Трионфо, Меме Перлини, Габриеле Лавиа, Карло Чекки, Карло Квартуччи, Джулиано Василико, Лео Де Берардинис. Однако наиболее значительные фигуры поколения шестидесятых: Роберто Де Симоне, Лука Ронкони, Кармело Бене, Дарио Фо. Все они немало сделали для обогащения театрального языка, их открытия широко используются в театральной практике.
Дарио Фо является самым ярким представителем политического театра. Фо интересует человек как социальный тип, с яркими, заостре нными, преувеличенными чертами, помеще нный в острую, фарсовую, парадоксальную ситуацию. Он широко пользуется такими прие мами народного театра, как импровизация и буффонада.
Кармело Бене (р. 1937) – признанный глава итальянского авангарда второй половины 20 в. Бене называют великим акте ром. Он сам пишет, ставит и исполняет главные роли в своих произведениях. Его творчество существует в неразрывном единстве автора, акте ра и режиссе ра. Бене является автором множества спектаклей в основном по произведениям мировой литературы и театра: Пиноккио Каллоди (1961), Фауст и Маргарита (1966), Саломея Уайльда (1972), Турецкая богоматерь Бене (1973), Ромео и Джульета (1976), Ричард Ш (1978), Отелло (1979), Манфред Байрона (1979), Макбет (1983), Гамлет (ставился неоднократно) и т.д. Все это оригинальные сочинения Бене, созданные по мотивам известных произведений и очень отдале нно их напоминающих. Бене отказывается от традиционной драматургической формы: в его спектаклях нет событий, построенных по принципу причинно-следственной связи, нет сюжета и диалога в обычном понимании, слово порой заменяется звуком, а образ буквально распадается на части, становится неодушевле нным предметом или исчезает вовсе. Реквием по человеку – так можно было бы определить основное содержание его искусства.
Из более молодых, в настоящее время успешно работающих в итальянском театре, можно назвать режиссе ра Федерико Тьецци (1951), режиссе ра и акте ра Джорджо Барберио Корсетти (1951), режиссера Марио Мартоне (1962), в течение нескольких лет возглавлявшего римский театр «Стабиле», поставившего ряд очень интересных спектаклей, среди которых и имевший огромный успех спектакль Десять заповедей Р.Вивиани (2001).
Во второй половине 20 в. итальянский театр, став режиссерским, не перестал быть и театром больших актеров. В спектаклях самых крупных режиссеров всегда работали и лучшие актеры страны. Это относится и к Эдуардо де Филиппо, и к Джорджо Стрелеру, и Лукино Висконти, а также к режиссерам-шестидесятникам, пришедшим в театр на волне контестации. Ядром труппы Висконти была супружеская пара Рина Морелли и Паоло Стоппа, тонкие психологические актеры, игравшие во всех его спектаклях в драматическом театре. Огромный успех в спектаклях Висконти имел и Витторио Гассман (особенно в спектаклях Орест Альфьери и Троил и Крессида Шекспира). После ухода от Висконти Гассман много играл в классическом репертуаре; наиболее заметными стали его работы в спектаклях Отелло и Макбет Шекспира.
По давней традиции итальянского театра труппа обычно группировалась вокруг одного большого актера (или актрисы), а спектакли обычно ставились в расчете на данные премьера. В таком театральном коллективе первый актер, актер-звезда (называемый в Италии divo или mattatore) бывал нередко окружен весьма слабыми исполнителями.
В течение нескольких десятилетий (вплоть до настоящего времени) на сценах итальянских театров выступают очень популярные актеры Джорджо Альбертацци и Анна Проклемер, исполняющие главные роли в основном в пьесах мирового классического репертуара. Много работали в театре многие очень известные и любимые итальянской публикой актеры разных поколений, среди которых Анна Маньяни, Сальво Рондоне, Джанкарло Тедески, Альберто Лионелло, Луиджи Пройетти, Валерия Морикони, Франко Паренти, чьим именем теперь назван один из театров в Милане. Паренти работал и в «Пикколо театро» с Джорджо Стрелером. В театре Стрелера всегда играли замечательные актеры. Это Тино Буаццелли, знаменитый исполнитель роли Галилея в спектакле Жизнь Галилея Б.Брехта. Тино Карраро, в течение долгих лет игравший главные партии в пьесах Шекспира (Король Лир , Буря ), Брехта, Стриндберга и др. Выдающейся исполнительницей женских ролей в театре режиссера была Валентина Кортезе, среди вершин, творчества которой стала роль Раневской в Вишневом саде (постановка 1974). Среди более молодых выделяется Памелла Виллорези, замечательная исполнительница женских образов в комедиях Карло Гольдони, в пьесах Лессинга, Мариво и др. В последний период творчества режиссера его музой стала актриса Андреа Йонассон, исполнявшая драматические роли в постановках Брехта, Лессинга, Пиранделло и др. Особое место среди актеров «Пикколо театро» занимают два великих исполнителя маски Арлекина – Марчелло Моретти и Ферруччо Солери в легендарном спектакле Арлекин по комедии Гольдони Слуга двух господ .
Лука Ронкони также объединяет вокруг себя группу своих актеров. Это, прежде всего две актрисы старшего поколения Франка Нути и Мариза Фаббри, исполнявшая главные роли в таких спектаклях режиссера как Вакханки Еврипида (1978), Привидения Ибсена, Последние дни человечества Крауса и др., Марианджела Мелато, игравшая в лучших работах режиссера, таких как Неистовый Роланд и Орестея . Много работал с Ронкони и Массимо де Франкович, среди крупных удач которого – роль Лира в спектакле Король Лир , а также молодой Массимо Пополицио, актер широкого диапазона, которому доступны ритмы, как драмы, так и комедии (огромный успех принесло ему исполнение ролей двух братьев в комедии Гольдони Венецианские близнецы ).
Особо необходимо выделить актеров неаполитанской школы. Среди наиболее известных – актеры старшего поколения Сальваторе де Муто, Тото (Антонио де Куртис), Пеппино де Филиппо и Пупелла Маджо, много работавшая в театре Эдуардо де Филиппо. Из более молодых – актеры Мариано Риджилло, Джузеппе Барра, Леопольдо Мастеллоне и др.
Вторая половина 20 в. вошла в историю итальянского театра как время ренессанса искусства сценографии . С лучшими режиссерами страны всегда работали и лучшие художники. Наиболее яркие фигуры – Лучано Дамиани и Эцио Фриджерио; их имена стоят на афишах всех лучших спектаклей Стрелера. А также это – Энрико Джоб, Пьер Луиджи Пицци, Гае Ауленти, Маргерита Палли.
Мария Скорнякова
